LAS ARMAS SECRETAS

La poética de Mamet (III)

2011-08-13T13:08:00.003+02:00

Más sobre la poética de David Mamet, recogida en su libro Los tres usos del cuchillo (Alba Editorial, 2001):

"La progresión hacia el clímax, el desenlace, la conclusión, acelera, pues, el ritmo. Una vez nos han planteado los hechos, nuestra atención se centra. Ahora sólo nos resta observar nuestro avance hacia el objetivo y la incursión ocasional del impedimento anómalo, del giro atípico del argumento".
"Cuando el público ha prestado o entregado transitoriamente su atención es sencillo intercalar un elemento ajeno, ya que lo aceptará como algo esencial hasta el momento que se demuestro lo contrario".
"La introducción del elemento ajeno es un comportamiento poco frecuente en el primer acto, cuando la luna de miel aún está vigente (se ha observado a menudo que cualquiera puede escribir un primer acto), pero esa misma introducción no es en absoluta atípica en el segundo acto".
"Cuando se levanta el telón tenemos la atención del público; los autores no debemos hacer nada. Pero transcurrido un rato, si el argumento no irrumpe con fuerza, los espectadores se pondrán a bostezar o a comer palomitas. Por eso es muy común intercalar un elemento ajeno en el segundo acto de la obra".
"El público quiere que le estimulen, que le confundan, que le defrauden a veces para poder quedar, finalmente, satisfecho. Por eso necesita que el segundo acto termine con una pregunta".
"Enterrar el final en el principio (el logro supremo del drama) resulta algo más difícil: significa que en el término medio debe emerger lo previamente insospechado, y, al emerger, debe hundir al protagonista (y al artista) en el abismo de la desesperación: 'Estaba preparado para todo menos para esto'. De la desesperación debe nacer la decisión de terminar el periplo".
"Una parte del viaje del héroe es que éste (artista/protagonista) debe cambiar radicalmente de parecer, por la fuerza de las circunstancias o por la fuerza de la voluntad. El héroe debe remozar su concepción del mundo y este cambio puede dar como resultado una obra artística con mayúsculas".

Lucía y la muerte

2011-08-07T14:43:00.004+02:00

"¡Un ataúd! En una plaza concurrida; la gente pasando a mi alrededor. Algunos se acercan y me ven con ojos tristes. Yo intento hablarles pero las palabras no salen de mi boca. Intento levantarme y ninguno de mis músculos responde a estos impulsos. Me pregunto entonces ¿es posible estar muerto y ver cómo la vida sigue su paso sin ti? Y observo cómo la gente, en su torpe prisa, va dejando a un lado lo que es realmente importante. Es entonces cuando me inunda una gran tristeza puesto que tengo la certidumbre de haber vivido como ellos".

Diálogo de Lucía extraído de "Pieza para dos actores"

Piglia y los premios literarios

2011-08-03T10:39:00.003+02:00

"Los premios son incómodos, porque en la literatura no se hace una jerarquía. La literatura no responde a la idea deportiva de que hay un escritor número uno, dos, tres o cuatro. Esa es una tentación del mercado: el mercado intenta ordenar lo que la cultura desordena o lo que la cultura pone en crisis. El mercado tiene siempre que pensar que hay un solo escritor o dos escritores por país; y toman los premios como una definición. No creo que los premios van a legitimar la obra de un escritor. En ese sentido, el premio es una sensación de incomodidad".

Fuente: Diario El Universal

Últimas siete funciones

2011-07-29T18:54:00.002+02:00

(“Pieza para dos actores”)

de Víctor Vegas

Primer Premio en el VII Certamen de Textos Teatrales de Torreperogil, Jaén, España (2004)

Premio Montevideo Ciudad Teatral, Montevideo, Uruguay (2009)

"Amor y odio son cuernos de la misma cabra"

Anónimo

Producción a cargo del Teatro Nacional y TICTAKproducciones

Dirección: Manuel Ruíz

Con Silvia Campos y Arturo Campos

Del 16 de junio al 7 de agosto

Temporada 2011

De jueves a Sábado 8:00 pm y domingos 5:00 pm

Teatro Vargas Calvo

Más información:
https://www.teatronacional.go.cr/tvc/desdeelotrolado.html

La poética de Mamet (II)

2011-07-23T12:50:00.006+02:00

Más sobre la poética de David Mamet, recogida en su libro Los tres usos del cuchillo (Alba Editorial, 2001):

"El drama no tiene por qué afectar necesariamente el comportamiento de las personas. Existe un artefacto fantástico y enormemente efectivo que transforma la actitud de las personas y hace que vean el mundo desde otra perspectiva. Se llama pistola".
"No es tarea del autor teatral lograr que se produzcan cambios en la sociedad".
"El propósito del arte no es efectuar cambios, si no deleitar. No creo que su finalidad sea ilustrarnos, ni que deba transformarnos, ni tampoco aleccionarnos".
"El teatro existe para tratar problemas del alma y misterios de la vida humana, no calamidades cotidianas".
"En el drama, como en los sueños, el hecho de que algo sea 'verdad' es irrelevante y nos interesa sólo si está relacionado con la búsqueda del protagonista (la búsqueda de un MacGuffin) tal como ésta se nos ha planteado".
"El poder del autor de teatro reside en su capacidad para plantear el problema".
"El drama nos estimula porque resume y proyecta en la obra el elemento más esencial de nuestro ser, el preciado mecanismo de adaptación [...] Podemos hacer uso de nuestras habilidades de supervivencia, adelantarnos al protagonista y sentir temor por persona interpuesta sintiéndonos a salvo. Éste es el poder y el gozo del drama. Por eso la obra de segunda clase, la que no está estructurada como una búsqueda de un único objetivo por parte del héroe, queda relegada al olvido".

Este post es continuación de este otro.

Virtuosismo y sensibilidad

2011-07-12T12:51:00.007+02:00

Como muchos chicos de mi generación, durante los primeros años de la década de los ochenta del siglo pasado, fui inexorablemente seducido por el rock and roll.

Al igual que la mayoría, empecé escuchando bandas como The Beatles, Queen, The Rolling Stone, Supertramp, The Police y grupos americanos como The Doors, Toto, Bruce Sprinting y REO Speedwagon, por citar sólo a unos pocos, a los más conocidos y populares. Luego, gracias a las orientaciones del novio de mi hermana de aquella época (unos dos años mayor que yo) y a un par de buenos amigos que conocí mientras cursaba el cuarto de bachillerato, mis gustos musicales se fueron ampliando y a la vez refinándose más hasta decantarse por el rock de las bandas europeas, especialmente las británicas. Llegó entonces el momento para el hard rock y el heavy metal: Led Zeppelin, Deep Purple, Rainbow, Uriah Heep, AC/DC (ya sé que no es europea, pero qué le vamos a hacer), Black Sabbath, Scorpions, Judas Priest, Iron Maiden, Deef Leppard, Whitesnike y tal vez sea necesario colocar aquí un conveniente etcétera.

Sin embargo, hubo también tiempo y espacio en mi musiteca para ese otro rock progresivo que hacían Pink Floyd, The Yardbirds, Jethro Tull, Génesis, Asia y Yes. Sobre todo para Yes.

El primer disco de Yes que llegó a mis manos fue Tormato. Me gustó, pero diría que no fue significativamente trascendente para mí. Poco después, en casa de uno de mis amigos de bachillerato que ya he mencionado, escuché Relayer. Éste LP sí que me hizo doblar las rodillas y caer rendido ante un sonido que era totalmente nuevo para mis oídos. Confieso que al principio me costó un poco digerir lo que estaba saliendo de las negras y abultadas panzas de los altavoces: “The Gates Of Delirium”, el surco que funcionaba como obertura del LP. Y aun cuando, al finalizar “Sound Chaser”, su segundo surco, seguía con la boca abierta y chorreante, aturdido como si hubiera recibido entre ceja y ceja un rápido y demoledor puñetazo de Mike Tyson, ya en ese justo momento, sobre todas las cruces del mundo, hubiera podido jurar que era eso y no otra cosa lo que andaba buscando. Que todo cuanto había vivido, todo lo que me había sucedido desde mi propio nacimiento hasta ese preciso instante, había sido para estar allí, para llegar a ese momento vital, único, irrepetible, sentado en la butaca de la sala de estar de la casa de mi amigo y escuchando Relayer de Yes.

La siguiente pista, “To Be Over”, la número tres y la última del disco, vino a ser la estocada de gracia que me hacía falta para caer prácticamente rendido a los pies del grupo. Quedé prendado de la particular manera en que Steve Howe tocaba, o mejor, hacía gemir a sus guitarras Gibson Les Paul, Gibson Les Paul Gold Top, Fender Steel and Telecaster, Martin Mandolin, Fender Stratocaster, etcétera, etcétera. Con él, con Howe, llegué a descubrir, a entender, a interiorizar que las guitarras, como los seres humanos, tenían alma. Y por supuesto quedé enamoradísimo de la inquietante, intensa, sublime, extraña, inasible y andrógina voz de “il castrato” Jon Anderson. Me impresionó la complejidad de los temas del disco, en especial “The Gates Of Delirium”, construido a semejanza de las sinfonías clásicas, dividido en movimientos con tiempos y estructuras diferentes; me encantó su atmósfera mítica y sublime, su carácter épico, melancólico y a la vez festivo.

A Relayer siguieron Fragile, Close to the Edge, Tales from Topographic Oceans, Yessongs —todos grabados en la primera mitad de la década de los setenta, todos componiendo o formando parte de lo que la crítica especializada de entonces había dado en llamar el «Yes clásico», su etapa más sinfónica y ecléctica—; así como también sus primeros trabajos: Yes, Time and a Word y The Yes Album. Y desde luego los dos discos más recientes que había grabado la banda en la época de mi primer contacto con ella: Drama y 90125, editados por Atlantis Records en 1980 y 1983, respectivamente.

Luego vino un período en el que dejé de tener noticias de la banda. En aquel tiempo compartir música era algo mucho más complejo y complicado de lo que es hoy en día. No existía internet y mucho menos música en formato digital. A veces, cambiar de grupo de amigos significaba, de alguna manera, cambiar también el tipo de música que se escuchaba. Y eso fue lo que sucedió conmigo. Al salir de bachillerato y empezar a estudiar en la universidad, me vi obligado a variar bastante mis gustos musicales. Aunque nunca dejé de escuchar mis viejos discos de vinilo y las cintas que había grabado en casa de mis amigos.

Tiempo después, ya graduado y viviendo y trabajando en Caracas, volví a tener noticias de Yes. Era el año de 1997 y a través de internet me enteré por casualidad del lanzamiento del más reciente disco de la banda (ahora sí, en formato digital masterizado, como correspondía a la época), se trataba de Keys to Ascension 1 y 2. Enseguida lo compré. Se trataba de un doble CD en el que habían incluido temas clásicos grabados en vivo y tres temas nuevos en los que eran fieles a la música que hicieron a principio de los años setenta.

Cierto día, escuchando Keys to Ascension en mi oficina, me enteré de que un compañero de trabajo era también fans de la banda. A partir de allí compartimos el material que teníamos de Yes y estrechamos más nuestra amistad. Fue con él, y en compañía de nuestras respectivas esposas, que, dos años más tarde, asistí a mi primer concierto de Yes. La banda había incluido Caracas en su itinerario de promoción de su más reciente trabajo The Ladder. Lo que en un principio iba a ser su única presentación en el Teatro Teresa Carreño, se convirtió en el primero de tres conciertos en los que sin embargo muy pronto se colgó el letrero de “agotado”. Sería ahora imposible expresar con palabras lo que viví aquella noche presenciando en directo el virtuosismo y sensibilidad de Jon Anderson, Steve Howe, Chris Squire, Alan White, Billy Sherwood e Igor khoroshev. Lo único que eché de menos fue que en dicha alineación no estuviera en los teclados Rick Wakeman (sustituido correctamente por khorshev), para haber disfrutado así de la alineación clásica de la banda. Poco después también Wakeman visitó Caracas y fui a verlo. Pero siempre me quedará el despecho de no haberlos visto tocar juntos.

Hace unas tres semanas leí que Yes, después de diez años dedicado únicamente a ofrecer conciertos, decidió volver a los estudios de grabación y preparar el lanzamiento de nuevo material. Fly From Here es el nombre de su más reciente disco y será puesto a la venta a partir de hoy martes 12 de julio. A pesar de que Chris Squire ha dicho que el disco es un retorno a la esencia de la banda, de la música que hicieron en los setenta, “We Can Fly”, el sencillo que han liberado para la promoción de Fly From Here, a mí particularmente me ha sonado muchísimo a Drama. Quizá se deba a que la alineación actual, a excepción de Benoit David, claro, fue la misma que participó en la grabación de Drama. Ni siquiera ha faltado Trevor Horn que, aunque no se pone frente a los micrófonos como en aquella ocasión, ha producido el disco.

No sé qué pensarán los demás fans de este nuevo material de la banda. En lo que a mí respecta, sólo sé que, a lo largo de su trayectoria, Yes ha demostrado la calidad y el virtuosismo de sus integrantes aún en sus trabajos menos reconocidos. Así que, en cuanto tenga oportunidad, me haré con Fly From Here.

Crónicas de Montevideo (II)*

2011-07-07T15:50:00.004+02:00

El barrio Pocitos está ubicado sobre la costa nordeste del Río de la Plata, la que mira al Atlántico. Según la leyenda, debe su nombre a las lavanderas que, a principios del siglo XIX, atraídas por las limpias aguas de un arroyo que cruzaba la zona, excavaban pozos en la arena de la playa cercana para lavar allí la ropa de sus señores, residentes en la ciudad amurallada. Al igual que muchos barrios montevideanos, tuvo su origen como un poblado independiente que luego acabó siendo engullido por el crecimiento de la ciudad.

Tras nuestro paseo por las ramblas, Javier condujo con rumbo a este barrio. Es uno de los más poblados y hermosos de la capital y cuenta también con las mejores playas de Montevideo, según Luciana. En el barrio Pocitos se concentra un enjambre de comercios de todos los tipos y tamaños, pudiendo encontrarse cualquier cosa que se necesite sin tener que salir de la zona. Por supuesto, su arquitectura es mucho más moderna que la de Ciudad Vieja, de esbeltos y gallardos edificios de entre 10 y 15 pisos. Es el barrio que prefieren las clases media y alta.

Cuando cae la noche, nos dice Luciana, las calles del barrio se animan y las puertas de los locales se abren de par en par para recibir a los visitantes. La oferta, tanto gastronómica como de ocio nocturno, es abundante y variada. De hecho, en la misma cuadra donde Javier y Luciana comparten un pequeño apartamento, Pablo Bengoechea, capitán e histórico jugador del Peñarol (y de la selección uruguaya), regenta un famoso restaurante. Bar El Diez es su nombre, uno de los apodos con los que se conocía, en su época de goleador, a Bengoechea.

La sala-comedor del apartamento de Javier y Luciana es minúscula y la cocina de tipo kitchenette. Para compensar el tamaño, el ventanal de la sala-comedor da a la calle y a través de él se cuelan los chorros de luz y el bullicio que se producen fuera. El apartamento queda en un primer piso, así que se levanta unos metros apenas sobre el nivel de la calle. Bebemos y picamos algo mientras continuamos nuestra conversación de indagación y reconocimiento, con el único propósito de romper el hielo. Cuando ya todos nos hayamos más cómodos y relajados, decidimos salir de nuevo a la calle. “Vamos a la Ciudad Vieja”, propone Luciana y hacia allá nos dirigimos. Volvemos a subir al Renault Twingo y a recorrer las ramblas y, al cabo de unos minutos, ya hemos llegado a nuestro destino. Es entonces cuando entramos en contacto con la Plaza Independencia, atravesamos la Puerta de la Ciudadela y caminamos por el bulevar de la calle Sarandí con rumbo al propio corazón del barrio Ciudad Vieja y nos extasiamos largo rato con sus calles y edificios.

Pasada las diez, Luciana recuerda que su hermana, que es cantante, se presenta en un local cercano a donde nos hallamos. “¿Les gustaría ir?”, nos pregunta. “Por supuesto, encantados”, respondemos enseguida Irma y yo y Luciana nos sonríe con esa sonrisa suya, entre pícara y cómplice, que ilumina unos segundos su rostro. Un rostro rectangular, de nariz alargada y prominente, de facciones marcadas y espesas cejas, con unos ojos de color indefinido, profundos y expresivos. Un rostro hermosísimo en su conjunto. Sus maneras y gestos la delatan como una mujer apasionada. Javier nos cuenta que, días antes, y para el estreno, se cortó el cabello con la finalidad de parecerse más a él, porque en la obra ambos interpretan a unos gemelos. Él no estuvo de acuerdo porque le encantaba verla con su cabello cayéndole sobre los hombros, pero igual ella se lo cortó. “Así es Luciana”.

El bar adónde vamos se llama El Pony Pisador y está en la calle Bartolomé Mitre del barrio Ciudad Vieja. Es uno de esos locales de tipo híbrido que, hasta cierta hora de la noche, funciona como taberna y, a partir de entonces, las mesas y sillas son retiradas y pasa a ser una discoteca. La calle Bartolomé Mitre está saturada de ellos y en las noches de verano se pone que no cabe un alma. El Pony Pisador tiene dos niveles, siendo la planta baja el más amplio. La barra es larga y en forma de “L” y se ubica justo debajo de la segunda planta y abarca todo el espacio inferior cubierto por ésta. A la segunda planta se sube por una escalera que está a un costado de la barra. Del techo cuelga una de esas enormes esferas rotatorias típicas de las discotecas. En la planta baja, a la derecha de la puerta de entrada, se ha reservado un pequeño espacio para que haga las veces de escenario. Allí, ejecutando su show, encontramos junto a otros músicos a Gia Love, nombre artístico de la hermana de Luciana.

El Pony Pisador está lleno pero gracias a los buenos oficios de Javier nos consiguen una mesa que queda libre al poco de llegar. Les comento a los chicos que la cosa pinta bien y que me encanta el ambiente, ellos dicen que eso no es nada, que dentro de un rato el sitio estará a reventar. Casi gritamos para poder oírnos unos a otros. Luego nos callamos y les dedicamos toda nuestra atención a la cantante y a sus músicos. ¿No es por ellos que hemos idos allí? El sonido de los instrumentos está ligeramente por encima del de la voz de la cantante y no nos permite apreciar en su totalidad el timbre de voz de Gia. Sin embargo, lo que escuchamos nos gusta a mí y a Irma y se lo comentamos a Luciana. Ella nos dice que la hermana compone sus propios temas, un pop melódico con ciertas reminiscencias de rock and roll.

Durante uno de los intermedios de descanso de los músicos, Gia se acerca a nuestra mesa y Luciana nos la presenta. Resulta ser tan encantadora como su hermana mayor. Tras terminar la presentación de Gia, decidimos quedamos en El Pony Pisador hasta bien entrada la madrugada. Alrededor de esa hora le comunico a los muchachos que no aguantamos más, que estábamos muy cansados y nos gustaría irnos a descansar.

De camino al hotel, en el interior del Renault Twingo, le comento a Javier y Luciana que para ser nuestro primer día en Montevideo todo ha salido bien, que habíamos estirado las horas hasta más no poder, como si se trataran de goma de mascar. Sin duda la hemos pasado genial, un muy buen comienzo, añado. Pero que todos los días de nuestra visita no podían ser como aquel. “¿Y qué les gustaría hacer mañana por la noche?”, preguntó Javier. De inmediato me le adelanté a Irma y dije, “particularmente a mí, me gustaría ver un poco de teatro”.

*Este post es continuación de este otro y resta aún una tercera entrega.

La violencia como síntoma

2011-06-30T09:45:00.002+02:00

América Latina es un continente violento. Y detrás del complejo entramado de la violencia de las últimas décadas, por lo general, se encuentra la mano del narcotráfico.

Gracias a los recursos obtenidos a través de su negocio, los narcos van extendiendo poco a poco sus tentáculos sobre la sociedad en la que actúan hasta conseguir minar sus sistemas de defensas. La semana pasada, algunos presidentes centroamericanos lanzaban un S.O.S. a sus colegas más ricos de EE UU y Europa para que les ayuden a combatir los avances del crimen organizado en sus respectivos países. Si a esta realidad sumamos los males endémicos de la región, pobreza y gobiernos corruptos, el resultado puede acercarse a lo que dice Francisco Dall'Anese, jefe de la Comisión Internacional contra el Crimen Organizado en Guatemala (CICIG): "Este país tiene un altísimo riesgo de convertirse en un narcoestado. El crimen organizado ha venido ocupando los espacios que el Estado pierde. Así, los criminales brindan a la población servicios como escuelas, asistencia médica... obteniendo una especie de legitimidad en una población secularmente abandonada". No es una situación nueva en Latinoamérica. Habría que recordar el imperio de corrupción, terror y muerte que Pablo Escobar Gaviria consiguió levantar en los años ochenta en Colombia.

Un pequeñísimo pellizco de esta situación lo vemos reflejado en la película Hermano, ópera prima del director venezolano Marcel Rasquín. En ella el líder de una mafia de narcos le paga al entrenador, proporciona uniformes y equipamiento y da trabajo y protección a varios de los jugadores de un equipo de fútbol de barrio. Pero este es sólo el telón de fondo de la cinta, puesto que su trama gira en torno a la relación de Julio y Daniel, dos hermanos muy unidos a quienes les encanta jugar al fútbol. Julio y Daniel son tan distintos como la noche y el día y, a la vez, tan parecidos como dos gotas de agua. Uno estudia bachillerato, es ingenuo y concibe el fútbol como una manera de vivir. El otro trabaja para el líder de los narcos, vigila que los camellos de la zona estén al día con el pago de sus deudas y gracias a eso lleva plata a casa. Uno es un soñador, el otro tiene los pies bien plantados sobre la tierra. Cuando juegan al fútbol, uno se comporta como un líder nato sobre la cancha y el otro como un delantero talentoso, único, una verdadera promesa... Ambos adoran a su madre (una mujer humilde que hace dulces y tartas para ganarse la vida) y, cada cual a su manera, sabe que de la violencia es imposible escapar. También, cada cual a su manera, se aman y protegen.

Un buen día la fortuna toca a su puerta en la figura de un cazatalentos que les ofrece la oportunidad de realizar una prueba en un club profesional de fútbol y quizá la posibilidad de firmar contrato con él.

A Rasquín le disgusta que tilden a su ópera prima de social, "Porque hablo de personajes, es cine humano y no social", dice. Pero es difícil, por decir lo menos, que alguien que no haya vivido en Latinoamérica y por tanto sea ajeno a la cotidianidad de la gente que habita sus barrios populares, lo perciba de manera diferente. ¿Cómo puede relatarse una historia en el seno de una familia humilde, que habita estos barrios, sin mostrar la realidad que la circunda? ¿Cómo no hablar de violencia y narcotráfico si a diario cada uno de sus miembros se levanta y acuesta atravesando sus entrañas? No hacerlo, desde luego, sería falsear y traicionar la historia que se intenta contar.

Hermano es un melodrama que desde la primera escena golpea la sensibilidad del espectador. Hay escenas duras, por supuesto, pero también escenas de gran belleza, que conmueven y te hacen sentir un nudo abrasivo en la garganta. En fin, es parte de ese buen cine que de tanto en tanto consigue salir a flote en la región, pese a las limitaciones técnicas y presupuestarias.

La lucidez del trastornado*

2011-06-27T10:04:00.001+02:00

En “La salud de los enfermos”, de Julio Cortázar, una familia de pronto se ve involucrada en un complot doméstico para evitar que la realidad llegue, con toda su carga demoledora, a oídos de la matriarca, una mujer encantadora pero de salud frágil y carácter fácilmente impresionable, o al menos es la imagen que de ella se han formado su médico y allegados.

Mientras leía Blanco nocturno (Anagrama, 2010), del también argentino Ricardo Piglia, sobre todo hacia el final de la novela, tuve muy presente el cuento de Cortázar. Era imposible dejar de pensar en él, su argumento y personajes venían a mi mente una y otra vez. Antes de generar confusiones innecesarias, permítanme aclarar que, aparte de desarrollarse en Argentina y de que sus acciones giran en torno a una familia local, ambas historias no tienen nada más en común. ¿O tal vez sí?

La novela de Piglia comienza con la investigación de un asesinato, como si de una novela negra se tratase, sin embargo, ya dejado atrás el inicio y bien entrados en el relato, la historia poco a poco va dando un giro inesperado y cambiando de registro hasta decantarse por un drama familiar que de una u otra forma extiende sus largos tentáculos a los habitantes del pueblo de la pampa argentina donde se localizan y desarrollan las acciones.

“La comprensión de un hecho consiste en la posibilidad de ver relaciones. Nada vale por sí mismo, todo vale en relación con otra ecuación que no conocemos”, dice Croce, el comisario que investiga el asesinato de Durán, un mulato puertorriqueño que un buen día llega al pueblo y que, tres meses y cuatro días después, es hallado muerto en la habitación del hotel donde se hospedaba. Y a esto que dice Croce juega precisamente el autor con su narración, a que los lectores establezcamos nuestras propias relaciones y tratemos de descubrir esa otra ecuación que desconocemos o que él nos birla astutamente a golpe de técnica y oficio.

Piglia pertenece a ese selecto grupo de autores que con un puñado de obras (4 novelas, 3 libros de relatos y 3 de ensayos) ha logrado meterse en el bolsillo a un sinnúmero de lectores. Lectores, dicho sea de paso, que lo consideran un escritor de culto. Su leyenda se ha extendido como reguero de pólvora entre varias generaciones de estos lectores y pareciera que con cada nueva publicación esta leyenda se ve acrecentada. Su destreza narrativa es indiscutible, al igual que su sensibilidad para dejar traslucir a través de sus relatos el mundo que nos rodea, con sus horrores e injusticias, sus pequeñas historias y grandes frustraciones. El virtuosismo y la perversión compartiendo la misma cama. Leerlo es adentrarse en un callejón oscuro en el que sabemos que tarde o temprano saltará sobre nosotros, con sus garras y dientes afilados, la naturaleza humana.

Pero volvamos a lo que se nos expone en Blanco nocturno. Un forastero llega a un pueblo perdido de la pampa, donde es asesinado. Una de las familias fundadoras del pueblo, de las más ricas, se encuentra entre los sospechosos del asesinato. Alrededor de esta familia ronda un conflicto que se nos desvela a cuenta gotas y en la que se ve envuelta una fábrica de autos venida a menos a consecuencia de las políticas económicas de los gobiernos de EE UU y Argentina; fábrica a la que también algunos quieren echarle mano. Intrigas, mentiras, manipulación, la especulación financiera e inmobiliaria, una familia fragmentada por el rencor y el dinero, etc. Y detrás de todo esto, la locura: “Croce tenía una capacidad extraordinaria para captar el sentido de los acontecimientos y también para anticipar sus consecuencias, pero no podía hacer nada para evitarlos y cuando lo intentaba lo acechaba la locura”. De entre los temas abordados por Piglia en su novela, para mí el más llamativo y evidente ha sido justamente éste, la locura. Dos de los personajes más cautivadores de Blanco nocturno caminan por la cuerda floja de la demencia: el comisario Croce, del que ya he hablado, y Lucas Belladona, el obstinado dueño de la fábrica que lucha y se enfrenta a todos por un sueño. Quizá lo más notable y hermoso, las escenas más oníricas y reveladoras de la novela, tienen como protagonistas a estos dos personajes, a sus respectivos mundos enajenados. Los momentos de mayor lucidez, los mejores del relato, sin duda, los encontramos en sus diálogos, en las escenas donde se nos muestran sus respectivas anhelos, búsquedas y luchas. Y, por si fuera poco, a mitad de novela, en el capítulo 12, cuando Renzi (el alter ego del autor que ya ha aparecido en otros de sus libros) visita por primera vez a Croce en el manicomio, Piglia nos regala una hilarante escena con dos loquitos fumones. Se los aseguro, no tiene desperdicio.

Desde mi punto de vista, tal vez Blanco nocturno sea la mejor novela que hasta el presente haya publicado Piglia. Y digo “tal vez” porque de las cuatro (Respiración artificial, La ciudad ausente, Plata quemada y Blanco nocturno), todavía me falta leer La ciudad ausente. En síntesis, Blanco nocturno es otro contundente gesto del autor para continuar engrosando su leyenda.

*Desde su publicación en septiembre de 2010 por la editorial Anagrama, Blanco nocturno ha conseguido dos prestigiosos premios: el Premio Nacional de la Crítica y el Premio Internacional de Novela Rómulo Gallegos.

Gente que se deprime

2011-06-18T11:24:00.000+02:00

Este es un retrato de Walter Black (Mel Gidson): un hombre de mediana edad, casado y con dos hijos, presidente de una compañía de juguetes —familiar, heredada, venida a menos—, inmerso en una profunda depresión.

Este es un retrato de la familia de Walter Black: una esposa, Mederith (Jodie Foster), ingeniero para más señas, que todas las noches se conecta a internet para conferenciar con sus clientes japoneses sobre los planos de la más reciente montaña rusa que ha diseñado; un hijo mayor, Porter (Anton Yelchin), que a pesar de ser brillante, es un alumno regular que utiliza su talento para redactar trabajos a los demás estudiantes del instituto, eso sí, previo pago de una tarifa nada solidaria, además, odia a Walter y tiene miedo de acabar pareciéndose a él, su obsesión es tal que, en su habitación, tiene una pizarra abarrotada con post-it en los que ha ido apuntando las características, gestos y hábitos que ha identificado que él y su padre comparten; y un hijo menor, Henry (Riley Thomas Stewart), que desearía ser invisible para pasar desapercibido entre sus compañeros de colegio.

La depresión de Walter Black lo aísla de todo, especialmente de su familia. Él sólo desea dormir y lo hace en cualquier lugar: en la casa, en el trabajo o en el coche. Un buen día Mederith, tras dos años de apoyarlo y consentir su comportamiento, decide echarlo de casa. Ese día (o la noche de ese día), en un motel de mala muerte en las afueras, gracias a un accidente, y sobre todo a un castor de peluche que ha encontrado tirado en el conteiner de la basura, Walter decide hacer borrón y cuenta nueva. Ya basta de médicos, de tratamientos, de libros de autoayuda. Ese día toma la resolución de pasarle el control de su mediocre y precaria vida al castor de peluche. Sí, así como han leído. A partir de ese día, el castor de peluche será el que se comunique por él...

En El Castor (2011), Jodie Foster se apoya en el excelente guión de Kyle Killen para sacarle a Gidson la mejor actuación que quizá haya ofrecido en su carrera, después, claro está, de aquella mítica interpretación que hizo a mediados de los noventa de William Wallace, en Braveheart, cinta que también dirigió. La historia de Walter y su familia nos entretiene, nos hace reír a momentos y, en otros, sorprendernos, horrorizarnos y conmovernos a un mismo tiempo. Lo que sucede con las vidas de Walter y Porter —que, tras conocer a Norah (Jennifer Lawrence), de alguna forma, como su padre, decide también redimirse— nos mantiene pegados a la butaca, pendientes de lo que vendrá a continuación. Desde luego, como buenos espectadores, suponemos que las decisiones que toman en determinadas ocasiones no son las adecuadas y que entonces se hundirán aún más en sus respectivos pantanos existenciales.

Según Foster, todas sus películas son independientes y personales, “con trazos comunes que hablan de la soledad y del miedo a estar solos por mucho que te guste disfrutar de esa soledad. Que hablan de la familia y de nuestro miedo a parecernos a nuestros padres. Que hablan de una crisis espiritual como la que todos vivimos cada cinco años, que hablan de depresión aunque sea un tema que la mayor parte de la gente prefiere evitar”. Pero esta última cinta de la actriz y realizadora, también nos habla de la redención, de ese paso esquivo y difícil que a veces necesitamos dar para salvarnos a nosotros mismos. Y de que el camino a esa redención es menos arduo y tortuoso cuando caemos en cuenta de que no estamos solos, de que hay alguien a nuestro lado dispuesto a acompañarnos en el trayecto. Una peli estupenda para aquellos que gusten de los buenos dramas. Como dicen los americanos: two thumbs up! Muy recomendable.

Estreno de “Desde el otro lado” en San José, Costa Rica

2011-06-10T09:31:00.000+02:00

(“Pieza para dos actores”)

de Víctor Vegas

Primer Premio en el VII Certamen de Textos Teatrales de Torreperogil, Jaén, España (2004)

Premio Montevideo Ciudad Teatral, Montevideo, Uruguay (2009)

"Amor y odio son cuernos de la misma cabra"

Anónimo

Producción a cargo del Teatro Nacional y TICTAKproducciones

Dirección: Manuel Ruíz

Con Silvia Campos y Arturo Campos

Del 16 de junio al 7 de agosto

Temporada 2011

De jueves a Sábado 8:00 pm y domingos 5:00 pm

Teatro Vargas Calvo

Más información:

https://www.teatronacional.go.cr/tvc/desdeelotrolado.html

Chesil Beach

2011-06-04T11:41:00.000+02:00

“Eran jóvenes, instruidos y vírgenes aquella noche, la de su boda, y vivían en un tiempo en que una conversación sobre dificultades sexuales era claramente imposible”. Así comienza Chesil Beach de Ian McEwan. Una novela en la que se nos relata la historia de Florence y Edward, de sus temores, anhelos e ilusiones, de sus relaciones familiares, de sus fracasos, de cómo se conocen y enamoran, pero, sobre todo, se nos cuenta las reacciones de ambos la primera noche que pasan juntos en la intimidad, justo después de casarse. Alrededor de este último asunto se teje el relato.

Aunque huelga decirlo, tratándose de McEwan, mi primera impresión con esta novela es que está exquisitamente narrada. Soberbia y magnífica. A veces las descripciones se detienen en detalles que parecieran nimios, insignificantes, pero el autor lo hace con tal maestría (¿la sencillez y la honestidad en grado puro?), que más bien nos gustaría que estos pasajes se alargasen para continuar disfrutando de su destreza técnica. Sin embargo, en la mayoría de los casos, párrafos o páginas más adelante, estos mismos detalles que antes nos han parecido baladíes cobran su dimensión exacta y real significado. También las acciones de algunas escenas se hallan intencionalmente pormenorizadas puesto que cada acción, en sí misma, simboliza el mundo interior de los personajes. Bueno, puede que esto último suene a Perogrullo…

La novela tiene la clásica estructura de “espinazo de pescado”, en la que, de forma lineal, secuencial, y en un tiempo predeterminado, se cuenta una historia principal (la de la pareja de recién casados en su primera noche de intimidad en la habitación de hotel a orillas de Chesil Beach) que, de tanto en tanto, es interrumpida o alternada con otras subtramas del pasado (de cómo eran antes y justo después de conocerse Florence y Edward, de cómo son sus respectivas familias, etc.) para darnos mayor información sobre los personajes. Una estructura en apariencia simple, fácil, pero que puede albergar toda la complejidad que la maña y el talento del autor consigan meterle.

Las primeras líneas que ha elegido McEwan para dar inicio a su relato son una suerte de compendio del contenido total de la novela. En ellas se encuentra la clave de cuanto viene a continuación. Estamos hablando que la historia de Florence y Edward se desarrolla a comienzo de la década del sesenta del siglo pasado, cuando la revolución sexual era aún una quimera. “Sin decirlo, aquellas chicas transmitían la clara impresión de que se estaban ‘reservando’ para un futuro marido. No había ambigüedad: para tener relaciones sexuales con alguna tenías que casarte con ellas”. Algo quizá difícil de comprender en nuestros días, por decir lo menos.

Considero que con esta breve, exquisita y rara novela, McEwan arriesga lo suyo y al final logra salir indemne gracias a su extraordinaria visión y oficio de escritor. Porque es infrecuente que en tan poco espacio consiga reflexionarse sobre tal abanico de temas, encima, apoyándose en elipses o datos ocultos, en anécdotas truncadas y clichés como los son los problemas de comunicación entre las parejas, la consabida historia de amor entre el joven pobre y del campo y la niña rica y citadina; incluso de las relaciones afectuosas en una familia disfuncional, hasta me atrevería a decir, basadas en el viejo adagio popular que afirma que amor y odio son cuernos de la misma cabra.

Tal vez, al acabar Chesil Beach, aquellos amables lectores que acepten su invitación, se sorprendan a sí mismos en el centro de una vorágine de sensaciones encontradas, contradictorias. En el fondo, ¿me ha gustado o no esta novela?, puede que se pregunten. Pero la buena literatura suele dejar, en contados casos, también este extraño sabor de boca.

La poética de Mamet (I)

2011-05-26T11:41:00.000+02:00

David Mamet se encuentra entre los dramaturgos más influyentes, prolíficos y respetados de nuestro tiempo. A lo largo de su vida no sólo ha sabido construirse una envidiable trayectoria en el teatro, sino que, también a pulso, ha conseguido moverse con similar tino en el nada fácil mundo del cine y la televisión norteamericana.

Ha firmado los guiones de clásicos contemporáneos del cine como El cartero siempre llama dos veces (1981), El Veredicto (1982) y Los Intocables (1987). También los de películas más recientes e igual de populares como Hannibal (2001), Ronin (1998) y Wag the dog (1997), que incluso dirigió. En 1984, como autor teatral, fue reconocido con el prestigioso premio Pulitzer por su extraña y estupenda Glengarry Glen Ross.

En distintos momentos de su carrera, gracias a su polifacético e indiscutible talento, Mamet ha incursionado en la actuación, la dirección y la producción de obras de teatro, películas y series de televisión. Así que conoce muy bien el mundo del espectáculo y a menudo suele compartir sus reflexiones y originales puntos de vista en sesudos y deliciosos ensayos. Cuando uno de estos ensayos cae en mis manos, lo devoro enseguida, como a sus piezas de teatro.

Por ejemplo, por estos días acabo de leer Los tres usos del cuchillo, en el que disecciona, con su inteligencia habitual, el proceso de escribir una obra dramática. A continuación hago copy-paste de algunas de sus reflexiones al respecto:

“El teatro trata del periplo del héroe o de la heroína, aquellos personajes que no ceden a la tentación, y su historia es la de quien pasa por una prueba que no ha elegido”.
“La facultad de resistir confiere emotividad al periplo del héroe. Y para que el público lo viva, es esencial que el escritor lo sufra también. Por eso escribir no es una tarea sencilla”.
“Habitamos en un mundo extraordinariamente depravado, interesante y salvaje donde las cosas no son en absoluto equitativas, y el propósito del auténtico drama es ayudar a que no lo olvidemos. Tal vez esto tenga un efecto social fortuito y acumulativo: recordarnos que debemos ser un poco más humildes, o un poco más agradecidos, o un poco más reflexivos”.
“La esencia de una obra es el deseo del héroe o de la heroína. En la obra perfecta, ningún incidente nos puede parecer ajeno a ese deseo porque el incidente siempre es obstáculo o una ayuda para que aquéllos puedan conseguir su objetivo”.
“En el teatro nuestro tiempo también es precioso y una obra buena no se ocupará de asuntos que se puedan tratar racionalmente, aunque formen parte de nuestras ocupaciones cotidianas”.

Y esto es apenas un abreboca, pues tengo la intención, en posteriores post, de continuar desvelando parte de las interesantes claves y puntos de vista que, sobre el oficio del autor dramático, Mamet ha recogido en su ensayo. Claves y puntos de vista que desde luego funcionan para contar historias tanto en teatro, cine o televisión. ¿Y por qué no? En internet.

La tragedia de Lars von Trier

2011-05-19T17:52:00.000+02:00

Lars von Trier tiene vocación de provocador. O más bien su naturaleza es la provocación. Lo ha demostrado una y otra vez en sus películas, desde Breaking the waves (1991) —gracias a la cual, con apenas 35 años, logró el reconocimiento internacional— pasando por The Idiots (1998), la triste y perturbadora Dancer in the dark (2000) —con la que obtuvo la Palma de oro del Festival de Cannes— y la extraordinaria Dogville (2003) hasta detenernos en su penúltimo trabajo: Antichrist (2009). Incluso al co-firmar la partida de nacimiento del movimiento Dogma 95 estaba manifestando, de alguna manera, esa naturaleza provocadora tan suya.

Sin embargo, una cosa es mostrar esa vocación de provocador en la ficción y otra en la realidad, cuando encima tienes en frente a cientos de periodistas. Y eso fue lo que precisamente ayer le ocurrió al cineasta danés. A pesar que su film Melancholia, protagonizado por Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg, tuvo una entusiasta acogida en Cannes, tras una pregunta durante la rueda de prensa que siguió al estreno, el director soltó que la verdad es que entendía a Hitler. "No puede decirse que fuera un tipo estupendo... pero me cae simpático". Y no contento con esto, al tratar de explicarse mejor, dijo: "Bueno, no estoy a favor de la II Guerra Mundial y estoy a favor de los judíos... aunque no demasiado, porque Israel nos suele joder bastante".

Las reacciones y reproches contra el cineasta no se hicieron esperar y hoy la organización del festival de Cannes lo ha declarado persona non grata. Algo sin duda doloroso y difícil para ambas partes, puesto que Von Trier se contaba entre los hijos predilectos del festival.

Las disculpas que posteriormente ha ofrecido el director han tenido muy poco efecto, porque, como reza el adagio popular, después del ojo afuera no vale Santa Lucía.

Influencias

2011-04-16T13:21:00.000+02:00

“Todo se construye sobre lo anterior, y en nada humano es posible encontrar la pureza”. La reflexión pertenece a Ernesto Sabato.

Esta cita habría que tenerla presente al abordar el análisis de cualquier aspectos del desarrollo o desenvolvimiento de las sociedades. Eso incluye, por supuesto, a la literatura. Porque si hay una cosa que debería tener muy claro alguien que apenas comienza a derribar sus primeros pinitos en el oficio de escribir, es precisamente el asunto de las influencias. De las influencias dependerá su porvenir como creador.

Hay influencias de las que no podrá librarse y otras que será necesario que trate de evitar, de evadir, de rehuir de ellas como a la muerte: a como dé lugar. Por cuestiones de simple estilo o natural supervivencia, claro. Incluso, hay que decirlo, su instinto, su olfato de escritor, será su única brújula, la guía que le trace el camino a seguir.

Años atrás una amiga me puso en contacto con un conocido suyo que comenzaba a escribir. Este joven pretendía que yo leyera varios de sus textos y luego le hiciera llegar mi opinión: una especie de veredicto. Confieso que no suelo hacer este tipo de favores, menos con gente que desconozco por completo, ya que conlleva una enorme responsabilidad. Apartando lo estrictamente técnico (ortografía, gramática, sintaxis, estructura, estilo, etcétera, etcétera) el resto en literatura es totalmente subjetivo; son la propia estética y nuestro bagaje y prejuicios de lectores los que entran en juego durante la evaluación de cualquier texto. Sin embargo, accedí a leer y comentar los trabajos del conocido de mi amiga por la insistencia de esta última. Lo que noté de inmediato al hojear los textos del aspirante a escritor es que le faltaba lectura, mejor dicho, le faltaba muchísima lectura. Para quienes somos lectores compulsivos e incontinentes esto es muy fácil de detectar. Y, desde luego, si no hay lectura es imposible que haya influencia. Incluso que el instinto y olfato de creador se hayan desarrollado debidamente. O tan siquiera que existan.

Pretender escribir sin influencias no es sólo sinónimo de ignorancia sino de una gran ingenuidad. Como en la cita de Sabato, hay influencia en todo, aunque nosotros las ignoremos.

Más o menos algo por el estilo de lo que acabo de escribir en los dos párrafos anteriores fue lo que respondí al joven aspirante a escritor, una vez que acabé de evaluar sus trabajos. Además, aproveché la oportunidad y acompañé mi email de una lista de títulos y autores que consideré apropiados para su lectura. Recuerdo que finalicé mi correo acentuando el hecho que aquellas conclusiones y recomendaciones estaban inevitablemente motivadas por mis gustos y manias personales. La respuesta del joven aspirante no se hizo esperar. En ella, entre una seguidilla de insultos soterrados, criticaba mi pobre creatividad que tenía que recurrir a la creatividad de otros escritores para salir a flote. Hablaba también de la libertad de creadores como Picasso (sí, como leen, ¡Picasso!, el mayor copiador, masticador y digestor de estilos ajenos que haya conocido la Historia del arte, comportamiento que, con el paso de los años, lo ayudó a encontrar y construir su propio estilo y a convertirse en el gran artista del siglo XX) que no copiaban a nadie sino que sus obras eran resultado de sus “pulsiones” internas. Tal vez si no hubiese usado el desafortunado ejemplo de Picasso para argumentar sus ideas, me habría llenado de paciencia y buscado la ocasión de responder a su email. Pero ¿para qué invertir tiempo en alguien que reacciona de esa manera y ha llegado a semejantes argumentaciones? Cuando le solicitamos a alguien opinión sobre uno de nuestros textos, deberíamos estar más preparados para lo que no queremos escuchar que para los elogios. Y no hace falta que diga que se suele sacar mejor provecho de lo primero que de lo segundo, si estamos en verdad interesados y dispuestos a aprender.

Borges escribió, en uno de sus célebres y aclamados prólogos: “Quienes minuciosamente copian a un escritor, lo hacen impersonalmente, lo hacen porque confunden a ese escritor con la literatura, lo hacen porque sospechan que apartarse de él en un punto es apartarse de la razón y de la ortodoxia. Durante muchos años, yo creí que la casi infinita literatura estaba en un hombre. Ese hombre fue Carlyle, fue Johannes Becher, fue Whitman, fue Rafael Casinos Asséns, fue De Quincey”.

Los que han leído a Borges conocen de sobra su debilidad por la hipérbole. No obstante, creo que en esta ocasión no exagera en lo más mínimo. Aquellos que saben algo sobre el oficio de escribir, seguro entenderán perfectamente lo que trato de decir.

Al menos es lo que creo.

A Monster’s Life

2011-04-09T14:24:00.000+02:00

Seamos honestos: algunos de mis placeres son totalmente anacrónicos para los tiempos que corren.

Por ejemplo, me gusta leer libros en su formato tradicional, sentir el olor de la tinta, del papel y el ruido que hacen las páginas al avanzar con la lectura; me gusta sentarme a charlar con mis amigos viéndoles a la cara, disfrutando de un vino tinto o una cerveza bien fría; me gusta escuchar música en un buen equipo de sonido estéreo (cadenas, como le llaman acá), mientras voy seleccionando de mi musiteca el CD de turno —aunque, también tengo que decirlo, mi anacronismo no llega al punto de hacerme padecer una profunda nostalgia por los discos de acetato—; me gusta ver películas en una sala de cine, reclinado sobre una cómoda butaca, envuelto por la oscuridad y el sonido del sistema de audio Dolby Surround…

Sin embargo, no fue en una sala de cine que vi una de las joyas de la era digital que vivimos.

Corría el año de 1995. Si bien algunas empresas como Philips, Sony y Toshiba trabajaban en los estándares para el almacenamiento óptico de alta densidad, quien mandaba en el mercado de los aparatos de reproducción de imágenes en movimiento para los hogares era el VHS. Aunque suene irónico, gracias a este sistema analógico, disfruté de la primera película creada en su totalidad con efectos de animación digitales. Desde luego, estoy hablando de Toy Story.

En aquella época me dedicaba de lleno a mi carrera de informático y llevaba más de un año viviendo a caballo entre Caracas y Barquisimeto. En la primera trabajaba y en la segunda tenía casa y pareja. Mi vida partida en dos, para variar.

Durante una de mis visitas de fin de semana que hice a Barquisimeto en aquel 1995, me apetecía quedarme en casa durante todo el rato, no salir, de modo que me apertreché de unas cuantas películas en el club de video al que estaba afiliado. La mayoría, películas infantiles, para entretener a los hijos de mi pareja de entonces. Entre aquellas películas, agazapada y con la mayor discreción, iba Toy Story.

Lo que comenzó como una forma de distraer a unos niños durante el fin de semana, acabó convirtiéndose en un placer y luego en una adicción. A partir de aquel fin de semana me declaré fans de John Lasseter y de todo su equipo de los estudios Pixar. De Toy Story —he perdido la cuenta de las veces que la he visto— no sólo me atrapó su atractiva y particular manera de animación, sino sus entrañables personajes y por supuesto los conflictos abordados en la trama, sencillos en apariencia, pero que dejan colar su complejidad, de forma soterrada, en nuestro inconsciente. A sus creadores debió costarles años de trabajo plasmarlos de aquella forma en un guión. En resumen, una película que podían entender y disfrutar por igual tanto niños como adultos. Y quizá sean éstas las principales características (y los principales componentes de su éxito) que tienen en común los 11 filmes que han estrenado los estudios hasta el día de hoy: Toy Story (1995), A Bug's Life (1998), Toy Story 2 (1999), Monsters, Inc. (2001), Buscando a Nemo (2003), Los Increíbles (2004), Cars (2006), Ratatouille (2007), Wall-E (2008), Up (2009) y Toy Story 3 (2010). En todos se abordan, en menor o mayor grado, historias que desnudan la condición humana con una sencillez y una precisión aplastantes. La envidia, el resentimiento, la traición, el egoísmo, la ambición desmedida, la maldad gratuita y la que persigue un fin, la soledad, la mentira, el engaño pero también la nobleza, el arrepentimiento, el valor de la amistad y del trabajo en equipo, el amor, la fidelidad, el agradecimiento, el sacrificio, la sinceridad son sólo algunos de los sentimientos que se ven reflejados en los personajes de los relatos de Pixar. Y aclaro que hablo aquí sólo de sus largometrajes, porque sus cortos son tan buenos que sería necesario otro post entero. Además, eso de que sus personajes nos parezcan entrañables, se debe únicamente al minucioso cuidado y detalle puestos en su construcción. Son personajes que no siempre aciertan en las decisiones que toman, plagados de un sinnúmero de matices, que evolucionan a lo largo de la cinta, que casi siempre terminan siendo un poco (o bastante) distintos a los que eran al inicio de la película, transmitiendo al espectador la sensación que ha sido testigo de un viaje maravilloso. ¡A eso se le llama progresión dramática! En fin, sentarse a ver una y otra vez estas películas, poniendo la lupa en este tipo de detalles, representa una sesión de aprendizaje enriquecedora e insustituible para cualquier dramaturgo.

Esta semana me he enterado de que los estudios Pixar cumplen 25 años desde su fundación. Sin duda ha sido un cuarto de siglo estupendo para ellos y desde luego para sus seguidores. Seguramente muchas de las secuencias de sus creaciones forman ya parte de los mejores recuerdos de millones de cinéfilos alrededor del mundo. Cómo olvidar, por ejemplo, la parodia (¿o sería más preciso hablar de homenaje?) que hicieron del Imperio Contraataca en Toy Story 2; o aquella actuación delirante, en la que todo les salía mal a “las estrellas” de circo ambulante de A Bug's Life; o las largas secuencias sin diálogo de Wall-E y Up al principio de ambas películas; o la atmósfera retro y sesentona de Los Increíbles; o los minutos de suspenso que nos hicieron vivir hacia el final de Toy Story 3, en la que en verdad todo parecía acabado para Woody y sus amigos… No hay dinero en el mundo que pague semejante placer.

¡Larga vida a Lasseter y a su equipo de los estudios Pixar!

Arte y prostitución

2011-04-02T10:51:00.000+02:00

Desde hace años, el mundo de la prostitución ha estado de alguna u otra forma ligado a la vida y obra de muchos artistas. Ellos, a contracorriente de lo políticamente correcto, bien sea echando mano de la pintura, la literatura, la música, el teatro o el cine, han abordado el tema desde diversos y originales puntos de vista.

Toulouse-Lautrec, por ejemplo, se convirtió en cronista de lujo de los prostíbulos del París de finales del siglo XIX. Su afición por estos lugares le permitió dejar un testimonio pictórico cargado de sensibilidad y belleza en el que las trabajadoras del sexo, sus clientes y otros asiduos, fueron inmortalizados con gran detalle y libres de prejuicios. Van Gogh y Gauguin, entre otros tantos pintores, también se sintieron atraídos por el mundo de las meretrices y dejaron constancia de ello en sus respectivas obras.

En literatura me viene a la mente nombres como los de Henry Miller (tan asiduo a los burdeles como el propio Toulouse-Lautrec), Gabriel García Márquez, el último premio Nobel, Mario Vargas Llosa y Roberto Bolaño, por citar apenas a unos cuantos escritores de mi gusto, tan influyentes como imprescindibles.

En música recuerdo cuatro estupendas canciones que hacen referencia al tema. La primera, la pegadiza y dramática Roxanne, del grupo The Police, tal vez la más conocida de las cuatro para los lectores, convertida a estas alturas en un verdadero clásico del pop (a propósito , en 1999 George Michael grabó una versión muy personal de Roxanne que no tiene desperdicios); la tropical, triste e igualmente hermosa Perla negra, del venezolano Yordano Di Marzo; la dura (en más de un sentido) Dirty women, de Black Sabbath y, una de data más o menos reciente, la festiva Me llaman calle de Manu Chao, que formó parte de la banda sonora de la película Princesas (2005), del realizador español Fernando León de Aranoa.

Pero quizá sea precisamente en el cine donde los artistas han dejado una huella más latente, palpable y significativa de lo que vengo diciendo. Maestros como Luis Buñuel (Belle de jour, 1967); Federico Fellini (Las noches de Cabiria, 1957); Pier Paolo Pasolini (Accatone, 1961; Mamma Roma, 1962); Claude Chabrol (Violette Nozière, 1978) y Billy Wilder (Irma la Douce, 1963) han dirigido, con menor o mayor acierto, cintas que se adentran en las vicisitudes de prostitutas y sus chulos. Desde comedias ligeras y románticas como Pretty Woman (1990), de Garry Marshall —un fenómeno del cine comercial de nuestro tiempo—, pasando por comedias más sustanciales como Mighty Aphrodite (1995), de Woody Allen, experimentos sensoriales y extraordinarios como Leaving Las Vegas (1995), de Mike Figgis y Moulin Rouge (2001), de Baz Luzhrmann, hasta duros dramas con ribetes de tragedia como la ya antes mencionada Princesas o el muy original drama de Irina Palm (2007), de Sam Garbarski; en todas ellas, el factor común es que se nos cuenta la historia de mujeres que ofrecen su cuerpo por dinero y, durante el trayecto, esas historias acaban conmoviéndonos o trastocando nuestro sistema de valores. Sin olvidar, claro, cuatro títulos de cuatro creadores que están entre mis directores favoritos: George Cukor (La dama de las camelias, 1936); Jean-Luc Godard (Vivir su vida, 1962); Wong Kar-Wai (Days of Being Wild, 1990) y Steven Soderbergh (The Girlfriend Experience, 2009). Como ven, una larga lista de películas.

A estas alturas más de uno puede estarse preguntando qué ha llevado a estos realizadores a dejarse seducir por los signos y compases de este ambiente. Desde luego habrá montones de respuestas, sin embargo, yo me atrevo a esgrimir la siguiente: pocos temas como el de la prostitución consiguen dividir las opiniones del público y sacar a la luz las peores conductas de las sociedades. Como muestra un botón. Recientemente un programa televisivo español realizó un experimento: contrató a modelos profesionales para que se hicieran pasar por putas y se desplazó con ellas, y un equipo de reporteros, por diversos barrios de Madrid. Mientras las falsas meretrices se ubicaban en un sitio estratégico del barrio de turno, el grupo de reporteros se apostó en una esquina cercana y comenzó a aplicar una sencilla encuesta a las personas que pasaban por allí. La finalidad de las preguntas era medir el grado de tolerancia de los madrileños hacia la prostitución. Los encuestados tenían que dar sus respuestas frente a un micrófono y una cámara de televisión. Desde luego, la mayoría se mostro tolerante ante el micrófono y la cámara, pero al doblar la esquina y toparse de pronto con las falsas meretrices, las mismas personas que se habían mostrado tolerantes con la prostitución minutos atrás, no sabiéndose observadas, les cambiaba la expresión e incluso algunas se acercaban a las modelos que hacían de putas, las increpaban y desaprobaban su comportamiento. Por supuesto, esta segunda etapa del experimento se planificó para que fuera captada por una cámara escondida. De modo que el experimento del canal televisivo demostraba claramente el doble discurso y la hipocresía que tienen muchos con la prostitución. Quizá también sea justo decir que hubo personas coherentes en su criterio (bien porque la toleraban o no), que mantuvieron la misma postura frente y detrás de la cámara.

La semana pasada, también en España, el debate relacionado con la prostitución volvió a ser tema de actualidad debido a la prohibición de anuncios sexuales en los periódicos.

Creo que, igual que han hecho con otros asuntos a lo largo de la historia, los artistas, al abordar recurrentemente el tema, aspiran que las sociedades comiencen por fin a enfrentarlo (que no a resolverlo, tampoco son tan ingenuos) apartando de dicha discusión los dobles discursos. Porque se trata de un problema demasiado complejo, en el que se cometen un sinnúmero de injusticias, se violan derechos humanos básicos y alrededor del cual se aglutinan tantos intereses que, para tan sólo encaminar el diálogo hacia una posible solución, exigiría de las partes involucradas, años de negociación, voluntad de compromiso y, sobre todo, voluntad para ceder ante posiciones antagónicas.

¿Podrán ponerse de acuerdo algún día?

Eso nadie lo sabe. De modo que, siendo optimista, resta un larguísimo trecho por delante y seguramente los artistas, durante ese trayecto, continuarán deleitándonos con sus trabajos y puntos de vistas sobre las putas y el mundo que gira a su alrededor.

Crónicas de Montevideo (I)

2011-03-26T17:11:00.000+01:00

En junio de 2009 visité Montevideo por primera vez. Pese a haber visitado antes varias ciudades de América Latina, a causa de mi antiguo trabajo, nunca se me había presentado la oportunidad de viajar allí. Tendrían entonces que transcurrir siete años, cambiar de profesión y abrirse una mayor distancia entre Montevideo y la ciudad en la que habito para por fin conocerla.

El viaje lo motivó el montaje de una de mis piezas que se estrenó en el Teatro AGADU, Canelones 1122, el 18 de abril del mismo año. Tengo que confesar que a partir de ese día guardo especial agradecimiento a la gente del colectivo Ilusionario Teatro (mis queridos Javier Barboza y Luciana Acuña), a cargo de quien corrió la producción de la obra, porque, de lo contrario, creo que jamás hubiera visitado la capital de la República Oriental del Uruguay y, como es natural, me hubiera perdido de una singular y muy grata experiencia.

A penas bastaron cinco días para quedar prendado de Montevideo. A mis ojos se mostró como una ciudad limpia y ordenada, con una arquitectura en la que se entremezclan lo moderno y lo antiguo con una naturalidad pasmosa. Por ejemplo, en la Ciudad Vieja, la zona más antigua y a partir de la cual se originó el Uruguay que hoy conocemos, se conservan muchos edificios de estilo colonial que datan de la fundación de la ciudad (entre 1724 y 1726), como el Cabildo y la basílica metropolitana. A través del bulevar Sarandí, un hermoso pasaje a cuyos lados se levantan cafés, restaurantes, librerías, galerías de arte, amplias y arboladas plazas y a lo largo del cual los artistas y artesanos callejeros montan sus tarantines (con un orden y una estética no muy familiares para alguien que vivió muchos años en lugares como Barquisimeto y Caracas), la ciudad antigua, poco a poco, va cediendo terreno a la más moderna. Pero es quizá en la Puerta de la Ciudadela (único vestigio de la muralla que antes protegía a Montevideo de las invasiones), que se encuentra frente a la Plaza Independencia, que esta percepción se hace mucho más pronunciada y evidente. A partir de allí se abre a nuestros sentidos una ciudad más dinámica y cosmopolita, con amplias avenidas, altos edificios (destaca el Palacio Salvo, a los pies de la avenida 18 de Julio), comercios, bancos, numerosas plazas y espacios verdes que hacen del paseo un trayecto sumamente placentero.

Antes de pisar suelo uruguayo, mi esposa y yo pasamos unos días en Buenos Aires, ciudad que no me cansaré de visitar y que, cada vez que el destino me ofrece la ocasión, aprovecho de regresar a ella. Allí siempre me esperan buenos amigos, librerías con precios solidarios y teatros con carteleras diversas y atractivas. Siguiendo los consejos de Lyl Torres, no cogimos un vuelo que nos llevara de Buenos Aires directo a Montevideo, sino que decidimos cruzar el Río de la Plata en barco. Como lo hacen muchos a diario. El sólo hecho de zarpar de las instalaciones de la empresa Buquebus, en el exclusivo barrio de Puerto Madero, surcando las aguas del río turbio hasta tocar tierra al otro lado, mereció el recorrido. Quizá con esta imagen en mente, el siguiente tramo se nos hizo más dócil y soportable: casi dos horas de viaje en autobús desde Colonia a Montevideo.

Cuando finalmente arribamos a destino, en el Terminal Tres Cruces nos esperaba Javier Barboza, un muchacho alto, de tez blanca, pelo liso y castaño y ojos traviesos como los de los niños. Javier es un joven y prometedor actor que, junto con Luciana Acuña, su pareja y partner, fundó Ilusionario Teatro para producir y llevar a las tablas sus propios proyectos y espectáculos en la competitiva escena teatral montevideana. Nos recibió con enorme jovialidad y cariño, como si nos conociéramos de toda la vida, cuando, en realidad, sólo llevábamos poco menos de un año cruzándonos emails y chateando de tanto en tanto a través de la red. Después de los abrazos y besos, abandonamos el terminal de autobuses. Como en estos casos sugiere el sentido común, no fuimos enseguida a registrarnos al hotel sino a recoger a Luciana en su trabajo. El tiempo, cuando se está en tierras ajenas, hay que aprovecharlo al máximo.

Así somos la gente de teatro.

Montados sobre el Renault Twingo de Javier y Luciana, con Javier al volante y una jovial, dicharachera y sonriente Luciana ocupando el asiento del copiloto, dimos entonces nuestro primer reconocimiento a la ciudad. Paseamos por las ramblas que, en cierto sentido, redibujan el contorno del litoral montevideano para conductores y transeúntes (a propósito, las ramblas, a cada ciertos kilómetros, cambian de nombre; nuestro hotel, por ejemplo, quedaba en el tramo denominado Gran Bretaña) y pudimos apreciar el sobrecogedor espectáculo que nos regalaba la bahía a esas horas de la tarde: a nuestra derecha la ciudad y al otro lado el río que la acaricia perenemente.

A medida que avanzábamos en el recorrido, bien por boca de Luciana o del propio Javier, algunos datos e historias de la ciudad se nos iban revelando y ensanchando la imagen que de ella empezábamos a formarnos.

Montevideo se encuentra entre las ciudades más seguras de América Latina y es la de mayor calidad de vida de la región. De eso no nos quedó duda en aquel primer paseo de reconocimiento. Se podía notar en el ambiente, con un simple vistazo a las calles y avenidas, a la gente y los vehículos que circulaban a nuestro alrededor, a los barrios en donde nos internábamos, a las fachadas de los edificios… Quizá por tener inconscientemente una imagen preconcebida y errónea de la ciudad, después de viajar tanto por la región, me sorprendió descubrir todo lo que estaba abriéndose ante mis ojos en aquel momento. Una experiencia en extremo lúdica, emocional y desde luego sumamente grata.

Otros datos importantes: los uruguayos no llegan a 3,5 millones y sólo en Montevideo viven 1,3. En caso de ampliar el radio de acción al área metropolitana, la cifra alcanzaría casi los 2 millones de habitantes. Es decir, en la capital vive el 58 % de la población del país. Y eso siendo Montevideo el departamento con la menor superficie de entre los 19 en que se divide geográfica y políticamente la República Oriental del Uruguay.

De vuelta por estos predios

2011-03-20T21:06:00.000+01:00

Abandoné este blog a su suerte en mayo de 2009.

Por entonces, la pulsión interna que me llevó a crearlo, poco a poco, fue menguando, fue haciéndose indefectiblemente intermitente hasta casi desaparecer. De modo que pensé que dejarlo a un lado, por algún tiempo, sería lo mejor, lo más saludable. Y eso fue lo que hice. De aquello van a cumplirse dos años.

Desde luego, mucha tinta electrónica habrá sido derramada en ese lapso en la red.

Sin embargo, desde hace días, me anda rondando una pulsión similar a esa que me llevó a crearlo a comienzos de 2007. He tratado de hacer oídos sordos pero está resultando demasiado insistente, demasiado ruidosa, demasiado molesta… Y aunque no estaba en mis planes retomar las actualizaciones de Las armas secretas en este año, a veces suele resultar más aconsejable hacerle caso a la intuición que a la mismísima razón.

Así que, pronto, muy pronto, volveré a colgar mis notas y reflexiones por estos predios.

Estreno de “Pieza para dos actores” en Córdoba, Argentina

2009-05-30T11:33:00.001+02:00

de Víctor Vegas

Primer Premio en el VII Certamen de Textos Teatrales de Torreperogil, Jaén, España (2004)

"Amor y odio son cuernos de la misma cabra"
Anónimo

Producción a cargo del Elenco Estable de Teatro del Centro Cultural Municipal del C.P.C Colón

Dirección: VÍCTOR JUNCO

Sábado 30 de mayo

CPC Colón | Av. Colón 5300 | Córdoba - Argentina | Telf. 433-7102- Int. 8461

América Latina y los nacionalismos

2009-05-19T18:25:00.000+02:00

[El nacionalismo] nos ha hecho un inmenso daño y nos sigue haciendo muchísimo daño. Es, por desgracia, un problema que se da en toda América Latina. Europa, que ha sido un continente ensangrentado por el nacionalismo, ha conseguido romper esos viejos prejuicios, unirse. Los enemigos de siempre se han unido y ahora trabajan juntos, y van desapareciendo las fronteras entre ellos. Ese es el ejemplo que nosotros tendríamos que seguir. Entender que los grandes problemas que tenemos no son los países vecinos, sino el hambre, la pobreza, el atraso, la falta de educación, la falta de salud. Esos son los grandes enemigos.

Mario Vargas Llosa

Premio de la crítica a la novela del año

2009-04-30T12:43:00.000+02:00

El joven escritor y editor venezolano, Héctor Torres, vuelve a sorprendernos con una iniciativa que él y su equipo del portal de difusión literaria, Ficción Breve Venezolana, han tenido a bien transformar de estupenda idea a loable realidad.

Se trata de la primera convocatoria del Premio de la crítica a la novela del año, iniciativa que desde este espacio aplaudo a rabiar y que desde luego divulgo por su carácter y relevancia. Ojalá que el premio pueda contar a lo largo de los años que siguen con las instituciones que ahora lo respaldan en su creación. Es más: ojalá que esta iniciativa entusiasme a otros entes públicos o privados que en el futuro contribuyan con ella para que de esta manera el premio crezca, se consolide y, lo más importante, perdure en el tiempo.

Según la nota de prensa que ha puesto a circular el equipo de FBV, el premio “tiene como uno de sus objetivos incentivar el mercado editorial venezolano, aprovechando el interés de nuestros lectores por la literatura que se está produciendo en el país. De igual manera, otro de sus objetivos es reivindicar la figura del crítico especializado, como actor fundamental del desarrollo y crecimiento de la actividad literaria del país, la cual requiere del concurso de todos los entes involucrados: autores, editores, promotores, libreros, críticos y, por supuesto, los lectores, para su consolidación”.

¡Bravo, Héctor! Por la iniciativa, por ti y tu equipo de FBV y, desde luego, por la literatura hecha en casa.

Estreno de “Pieza para dos actores” en Montevideo

2009-04-02T18:08:00.000+02:00

de Víctor Vegas

Primer Premio en el VII Certamen de Textos Teatrales de Torreperogil, Jaén, España (2004)

"Amor y odio son cuernos de la misma cabra".
Anónimo

Con las actuaciones de Luciana Acuña y Javier Barboza

Diseño de iluminación: Juan José Ferragut
Escenografía y Vestuario: Ayelén Gastaldi

Música Original: Álvaro Pérez
Diseño Gráfico, fotografía y comunicación: Yema Films
Producción y Difusión: Teatro del Sur

Asistente de Dirección: Luis Jaunarena

Dirección: ANTONIO BALDOMIR

Sábado 18 de abril.
21 Hs.

Teatro AGADU, Canelones 1122 - CP 11.100, Montevideo - Uruguay, agadu@agadu.org, (598 2) 900 31 88

Para los que se levantaron con el pie izquierdo

2009-03-25T17:13:00.000+01:00

LLEGAREMOS A TIEMPO

Si te arrancan al niño, que llevamos por dentro,
Si te quitan la teta y te cambian de cuento
No te tragues la pena, porque no estamos muertos
Llegaremos a tiempo, llegaremos a tiempo.

Si te anclaran las alas, en el muelle del viento
Yo te espero un segundo en la orilla del tiempo
Llegarás cuando vayas más allá del intento
Llegaremos a tiempo, llegaremos a tiempo

Si te abrazan las paredes desabrocha el corazón
No permitas que te anuden la respiración
No te quedes aguardando a que pinte la ocasión
Que la vida son dos trazos y un borrón.

Tengo miedo que se rompa la esperanza
Que la libertad se quede sin alas
Tengo miedo que haya un día sin mañana
Tengo miedo de que el miedo, te eche un pulso y pueda más
No te rindas no te sientes a esperar.

Si robaran el mapa del país de los sueños
Siempre queda el camino que te late por dentro
Si te caes te levantas, si te arrimas te espero
Llegaremos a tiempo, llegaremos a tiempo.

Mejor lento que parado, desabrocha el corazón
No permitas que te anuden la imaginación
No te quedes aguardando a que pinte la ocasión
Que la vida son dos trazos y un borrón.

Tengo miedo que se rompa la esperanza
Que la libertad se quede sin alas
Tengo miedo que haya un día sin mañana
Tengo miedo de que el miedo te eche un pulso y pueda más
No te rindas no te sientes a esperar.

Sólo pueden contigo, si te acabas rindiendo
Si disparan por fuera y te matan por dentro
Llegarás cuando vayas, más allá del intento
Llegaremos a tiempo, llegaremos a tiempo.

Sólo pueden contigo, si te acabas rindiendo
Si disparan por fuera y te matan por dentro
Llegarás cuando vayas, más allá del intento
Llegaremos a tiempo, llegaremos a tiempo.

Últimas dos funciones de “Cuando seamos grandes”

2009-03-05T15:35:00.000+01:00

“Aunque niños se nos permita ser
tan sólo una vez en la vida
el sueño vivirá en nosotros
como el grano de pan en la espiga”

Este próximo fin de semana se estarán presentando, en la sala principal del Teatro San Martín de Caracas, las dos últimas funciones de Cuando seamos grandes, montaje de la pieza infantil de Víctor Vegas, dirigido por Jennifer Morales y producido por el Teatro San Martín de Caracas.

Cuando seamos grandes fue estrenada en marzo del año pasado y tras su exitosa primera temporada, participó con igual éxito de público y crítica en la X edición del Festival de Teatro Infantil José Gregorio Romero 2008.

La puesta en escena cuenta con las actuaciones de Paola Baroferre, José Alberto Blanco, Zammy Giménez, Kaoru Yonekura, Yma Sumack y la participación especial de la niña Verónica León.

Cuando seamos grandes obtuvo en 2006 el primer premio en el IX Certamen de Dramaturgia Infantil de la Universidad Central de Venezuela y fue publicada ese mismo año por el Fondo Editorial Pío Tamayo (Barquisimeto, Venezuela).

Las funciones serán los días sábados y domingos a las 3:00 pm. El Teatro San Martín de Caracas está ubicado en la Av. San Martín c/Pte. 9 de Diciembre, estación metro Artigas, Telf. (212) 4512161/3772526. Estacionamiento privado al lado del teatro.

Children See, Children Do by Sean Meehan

2009-03-04T11:19:00.000+01:00

Reflexión de May Kasahara sobre la muerte

2009-03-02T18:10:00.000+01:00

Es decir..., lo que yo creo es que el hombre piensa en el significado de la vida porque sabe con certeza que va a morir algún día. ¿No te parece? ¿Quién se tomaría en serio el hecho de estar vivo si viviera eternamente? ¿De dónde surgiría esta necesidad? Aun suponiendo que la tuviera, uno acabaría diciendo: "Todavía tengo muchísimo tiempo. Ya pensaré en ello más adelante". Pero eso, en realidad, no es así. Nosotros debemos pensar en este instante, aquí y ahora. Mañana por la tarde quizá muera atropellada por un camión. Quizá dentro de tres días tú mueras de hambre y de sed en el fondo de este pozo. ¿No es así? Nadie sabe lo que va a ocurrir. Por eso nosotros, para evolucionar, necesitamos la muerte. Eso es lo que creo. Cuanto más viva y gigantesca sea la presencia de la muerte, más pensaremos en ella.

Haruki Murakami

Cortázar inesperado

2009-02-17T11:51:00.000+01:00

Este espacio debe su nombre a uno de los libros más celebrados del escritor argentino, cuya obra total ha sido de significativa relevancia en mi trayectoria como lector y escritor.

Creo que lo he mencionado ya en no pocas oportunidades...

2009 es el año del 25 aniversario de la muerte de Cortázar y para conmemorarlo, la editorial Alfaguara publicará en mayo un libro con textos inéditos de quien ha sido considerado, sin lugar a dudas, uno de los mayores renovadores de la literatura en nuestro idioma.

Papeles inesperados es el título del libro y en él se reúnen “11 relatos nunca incluidos en obra alguna, un capítulo inédito de Libro de Manuel, 11 nuevos episodios del personaje que protagonizó Un tal Lucas, cuatro autoentrevistas, 13 poemas inéditos... En total, un volumen de unas 450 páginas, muchísimas inéditas”.

El libro debe su origen a un hallazgo reciente de Aurora Bernárdez, viuda, albacea y heredera universal del autor, y Carles Álvarez, estudioso de la obra cortazariana.

El arco vivencial de Cortázar aquí reflejado va desde principios de los años treinta hasta casi 1984; por eso nos permite ver desde el personaje más engolado al más lúdico, del Cortázar profesor de provincias al más político, comprometido y crítico", apunta Julia Saltzmann, editora responsable de Alfaguara en Buenos Aires. "Para mí es, junto con la correspondencia, el otro gran texto autobiográfico, donde se ve la formación de la persona y del escritor; del precortázar al Cortázar famoso", añade.

El fragmento anterior pertenece a una larga nota, publicada en el diario El País, que habla del libro pronto a ocupar los anaqueles de librerías.

Sin dudas, Papeles inesperados será un suculento banquete para aquellos seguidores de la obra del ingenioso autor argentino, entre los cuales, desde luego, me cuento.

Árboles para salvar el planeta

2009-02-16T19:11:00.000+01:00

Es sabido, según la tradición popular, que antes de morir todos deberíamos tener un hijo, escribir un libro y plantar un árbol. De esta manera estaríamos dejando huella de nuestro paso por el mundo.

Sin embargo, tal como marchan las cosas hoy en día con el efecto invernadero y el cambio climático, de estas tres tareas que recoge el célebre adagio popular, la que viene cobrando mayor relevancia y que no deberíamos dejar de hacer por ningún motivo es la tercera: plantar un árbol.

Así lo ha entendido la ONU que, a través de su Programa para el Medio Ambiente, en 2006 lanzó la Campaña de los mil millones de árboles.

Para los interesados en ahondar más sobre el asunto, BBC Mundo.com publicó una interesante nota al respecto.

Las otras dos tareas del célebre adagio popular, si se reflexiona bien, a la larga podrían ser contraproducentes para el bienestar del planeta.

Algo que deberíamos tener muy presente los venezolanos en el día de mañana

2009-02-14T12:56:00.000+01:00

Parece que siempre está a punto de suceder algo terrible (...) Esta capacidad de insuflar miedo en las sociedades es tremendamente dañina, porque el miedo no genera responsabilidad o altruismo, sino más miedo, más dependencia de nuestros supuestos defensores. Al final, el círculo vicioso se establece de forma irremediable: necesitamos ser protegidos por quienes fundan su razón de ser en un supuesto catálogo de terrores.

Ricardo Menéndez Salmón

Síndrome latinoamericano

2009-02-09T15:31:00.000+01:00

A principios de esta década que se aproxima a su fin (ya sólo quedan poco menos de once meses para decirle adiós a los primeros diez años del siglo XXI, ¿otra década perdida para los latinoamericanos?) escribí un artículo que fue publicado en un reconocido diario venezolano y cuyo nombre es el mismo que le he dado a este post.

En aquel entonces ni Ortega en Nicaragua, ni García en Perú, presidían a sus respectivas naciones, pero ya un creciente grupo de sus (¿desmemoriados?) compatriotas amenazaban con llevarlos de vuelta al poder.

De cara a un nuevo proceso electoral en Venezuela, tan importante como todos los que se han sucedido desde 1958, he querido reproducir mi artículo tal cual apareció publicado en aquel entonces.

Creo que no hace falta agregar ningún otro comentario.

Síndrome latinoamericano

Los latinoamericanos vivimos de sobresalto en sobresalto.

Las crisis económicas, sociales y de gobernabilidad han encontrado un mullido colchón en nuestra ancha geografía. Si me aventurara a trazar una especie de balance, desde que comencé a interesarme por los contenidos de los diarios, allá por los lejanos ochenta, cuando era apenas un adolescente, hasta estos tiempos actuales que nos ocupan, concluiría en que son más las malas noticias que he leído sobre la región que las buenas. Sí. Lamentablemente muchas más. Para muestra un botón: las cruentas dictaduras de derecha en el sur, los desmanes de las guerrillas de izquierda en Centroamérica, millares de desaparecidos de uno y de otro lado, autoritarismos y represiones de toda especie, los golpes de estado, las devaluaciones de la moneda, la hiperinflación y la aparición, de tanto en tanto, de seductores mesías que prometen guiar a sus pueblos a la redención: Fidel Castro, Daniel Ortega, Noriega, Alan García, Carlos Andrés Pérez, Menem, Fujimori, etcétera y que no hicieron otra cosa que acumular poder y dejar luego a sus países sumidos en crisis peores a las que los antecedieron. Hombres de carne y hueso con dos atributos en común: mucho carisma y ambiciones desmedidas de poder.

Sin embargo, como cita el adagio popular, la culpa no es del burro sino de quien lo arrea. Porque algunos de esos mesías que han fracasado estrepitosamente siguen arrastrando a millones de seguidores en sus propios países o fuera de ellos, como lo demuestra la popularidad de Castro en toda la región y las osadas y surrealistas candidaturas por la presidencia en 2001 de Daniel Ortega en Nicaragua y de Alan García en Perú: en contra del más elemental sentido común, dieron la pelea y hasta llegaron a colarse en un nada despreciable segundo lugar. Tampoco conviene olvidar “el tango” de Menem en la querida Argentina, ni el joropo de CAP en estas tierras de Dios.

¿Qué induce a nuestra gente a seguir este tipo de comportamiento? ¿La ingenuidad?¿La falta de memoria histórica colectiva? ¿La ignorancia? ¿La exclusión? ¿El resentimiento? ¿La frustración? ¿O acaso ese sentimiento tan caprichoso que llamamos esperanza?¿O quizá sea una mezcla letal de todo lo anterior?

En algo más de quinientos años de historia, todavía tenemos líderes que apelan a los desmadres que se llevaron a cabo durante el proceso de conquista para nutrir sus arengas henchidas de resentimiento y lugares comunes. Arengas que cierto sector de la población está siempre dispuesto a escuchar y con las cuales se retrotrae a una época más romántica. A veces no hay nada peor que escuchar sólo aquello que deseamos escuchar. Entretanto, los descendientes directos de las víctimas de nuestro abyecto pasado, siguen abarrotando las calles de los principales centros urbanos de América Latina para mendigar una moneda o un mendrugo de pan. Anacronismos son anacronismos.

Los recientes sucesos de La Paz son parte de ese largo reportaje que viene escribiéndose en la región desde tiempos remotos: miseria, populismo y violencia; un círculo vicioso que cada vez pareciera consolidarse más, hacerse más fuerte y por lo tanto más difícil de romper. A finales de los ochenta le tocó el turno a Venezuela con el Caracazo, el año antepasado a la Argentina y ahora a la vapuleada Bolivia. ¿Cuál será el próximo país en inscribir su nombre en esta indeseable lista?

Mientras nuestros pueblos insistan en elegir a los líderes menos indicados (radicales con un verbo encendido, clasista y divisionista; con fórmulas populistas para resolver los problemas; autoritarios con evidente incapacidad para negociar e inobjetables ambiciones de poder), estaremos condenados a repetir la historia.

No obstante, esto no parará de la noche a la mañana como por arte de magia. Es preciso que desde los sectores más moderados y modernos de nuestras sociedades, comience a emerger una nueva camada de líderes que se entregue a la impostergable tarea de articular un mensaje atractivo y creíble para llegar a las grandes masas de excluidos, sin que por ello caiga en la tentación de echar mano a las facilidades que ofrecen el resentimiento y el populismo. Por supuesto, también tendrán que demostrar la validez de su compromiso con las metas trazadas. Sólo así podríamos esperar un futuro distinto a nuestro convulsionado presente.

Lo contrario sería algo bastante próximo al suicidio colectivo.

Regresa “Cuando seamos grandes”

2009-02-04T11:55:00.000+01:00

Tras su exitosa primera temporada y su participación en la X edición del Festival de Teatro Infantil José Gregorio Romero 2008, Cuando seamos grandes, montaje de la pieza infantil escrita por Víctor Vegas, dirigido por Jennifer Morales y producido por el Teatro San Martín de Caracas, regresa a la sala principal de este teatro del suroeste de la ciudad a partir del próximo 7 de febrero.

La puesta en escena cuenta con las actuaciones de Paola Baroferre, José Alberto Blanco, Zammy Giménez, Kaoru Yonekura, Yma Sumack y la participación especial de la niña Verónica León.

Cuando seamos grandes obtuvo en 2006 el primer premio en el IX Certamen de Dramaturgia Infantil de la Universidad Central de Venezuela y fue publicada ese mismo año por el Fondo Editorial Pío Tamayo (Barquisimeto, Venezuela).

Las funciones serán los días sábados y domingos a las 3:00 pm. El Teatro San Martín de Caracas está ubicado en la Av. San Martín c/Pte. 9 de Diciembre, estación metro Artigas, Telf. (212) 4512161/3772526. Estacionamiento privado al lado del teatro.

El último padre

2009-02-03T12:12:00.000+01:00

En 2007 tuve la oportunidad, y a la vez la fortuna, de trabajar en el equipo técnico del primero de los espectáculos del Proyecto Padre, ideado, promovido y organizado por Gustavo Ott y el Teatro San Martín de Caracas. Un proyecto que llega a su fin el próximo viernes 6 de febrero con el estreno de su tercer y último espectáculo. En los dos anteriores, ha levantado no pocas polémicas: unos lo han amado, otros odiado, pero ha dejado a muy pocos indiferentes... Y en esta ocasión seguramente será igual. Sin embargo, voy a dejar que sea el propio departamento de prensa del Teatro San Martín quien le haga la invitación al lector y explique la envergadura e importancia de este proyecto:

Estreno mundial con cinco piezas dedicadas al tema del “Padre”.

TERCER PADRE: OBRAS JOSÉ, SE ESTRENA EN SAN MARTÍN

El Teatro San Martín de Caracas presenta este viernes 6 de Febrero, a las 8 pm, y en estreno mundial, el Tercer Padre: Obras José, “Atardeceres”; cinco piezas sobre el tema del Padre iberoamericano escritas de manera especial para el TSMC por Angel Norzagaray (México), Benjamín Gelemiri (Chile), Ignacio del Moral (España), Santiago Martín Bermúdez (España) y Mónica Ogando (Argentina), bajo la dirección del venezolano Costa Palamides.

Este Tercer Padre: Obras José, “Atardeceres”, está compuesto por las obras “El Padre José” de Angel Norzagaray (México); “¿Quién Eres?” de Ignacio del Moral (España); “La Cuota de Plusvalía” de Benjamín Gelimeri (Chile); “Domingo” de Mónica Ogando (Argentina) y “Ella Bailaba Boleros de Isolina” de Santiago Martín Bermúdez. El elenco lo integran María Brito, Ludwig Pineda, Juliana Cuervo y José Gregorio Martínez.

El Proyecto Padre: Obras José es un mega proyecto que contempla en su totalidad tres espectáculos distintos contentivos de 13 obras y 13 autores de 9 países. El personaje central, “José”, posee las mismas características en todas las piezas, aunque varía su contexto, condición social, usos del idioma, profesión, etc. Si “José” en una obra es un burgués, en la otra es un obrero, un macho o gay, un filósofo o un idiota, un tahúr o un santo. “José” es casado, divorciado o viudo y vive al mismo tiempo en Argentina, Venezuela, España, Chile o México. Puede que “José” hable mucho o poco y su vida es distinta en cada obra aunque es el mismo “José” siempre: padre de dos hijos y con un temblor en su mano derecha. Y es el mismo “José” siempre porque queda claro que “José” es, además de un personaje, una metáfora.

Para Costa Palamides, director de este Tercer y último “Padre”, fundir la realidad del "padre hispanoamericano" ha sido “esclarecedor y a la vez aterrador”.

—Se trata de un rompecabezas de angustias y delirios sobre la paternidad en nuestros días —acota Palamides—. Me he valido de recursos del realismo mágico, el surrealismo, el hiperrealismo, la farsa y el melodrama; cinco tergiversaciones de la realidad, cinco maneras de enfoque en una rayuela de la que surgen y se desvanecen cinco padres terriblemente verídicos, reconocibles y patéticos —apunta.

Este es el primer trabajo que el reconocido director de Teatrela realiza con el equipo del Teatro San Martín de Caracas/Textoteatro. “Trabajar en San Martín es una delicia; hay allí una guarida de creación. En este caso, con cuatro actores excepcionales y un equipo de mística bajado de los cielos, con pócimas de dos gardenias y milagros. No es para menos con tanto padre paternal y padrísimo que nos duele y nos avasalla”, dice el Director invitado.

Tercer padre: más profundo y difícil.

Según explica Gustavo Ott, Director General del TSMC, este “Tercer Padre” es el espectáculo más “profundo y difícil” de los tres presentados hasta ahora.

—De los tres espectáculos es el que tiene más piezas, cinco. Costa realiza un trabajo de dramaturgia con los cinco dramaturgos y logra hilar, como un buen autor no sólo de la escena, sino de la literatura, las cinco historias que, en tiempos, contextos y lenguajes distintos, apenas tienen un punto de coincidencia: un personaje llamado “José”. De los tres “Padres”, este es el único que funde las piezas. Por supuesto, esto no es nada fácil de hacer, incluso para el autor más bregado, pero Costa lo ha hecho como un veterano de la pluma.

Con el Tercer Padre culmina la primera fase de este programa de autores que ha reunido, desde el 2007, a catorce actores, trece autores, tres directores y dos decenas de artistas de catorce países. Las 13 Piezas “José” serán publicadas este mismo año y presentadas en julio próximo, cuando se estrene el Primer Espectáculo del Proyecto Madre: Obras María, que también incluirá quince piezas de todo el mundo escritas especialmente para este proyecto, dedicadas al tema de la Madre.

Padre 1 , 2 y 3…

El Primer Padre: Obras José, “Amaneceres” se estrenó el 8 de Junio del 2007 y fue integrado por las piezas: “Los Adioses de José” de Victor Viviescas (Colombia); “El que te cogió y se fue” de Elio Palencia (Venezuela); “Papá poeta” de Ricardo Halac (Argentina) y “Cenizas Vivas” de Roberto Ramos Perea (Puerto Rico). El elenco de este “Primer Padre” lo Integraron los actores Gonzalo Cubero, Trino Rojas, María Eugenia Romero, William Escalante, José Luis Záez y Lismar Ramírez, bajo la dirección general de Luis Domingo González.

El Segundo Padre: Obras José, “Noches” fue estrenado el 5 de Junio del 2008 (con el apoyo de Iberescena, el Centro Helénico de México y el Celcit-Argentina) con las piezas “El Testamento de José” de Luis Mario Moncada (México); “La Rosa Mística” de Patricia Suárez, (Argentina) y “Notará que llevo un arma” de Gustavo Ott (Venezuela), dirigidos por Marcos Vieyra (México), con la participación de Susana Varela (Argentina) y los actores Venezolanos, Luis Domingo González, David Villegas, José Gregorio Martínez y Jennifer Morales.

Y el Tercer Padre: Obras José, “Atardeceres”, que estrena el TSMC este viernes 6 de febrero está compuesto por las obras “El Padre José” de Angel Norzagaray (México); “¿Quién Eres?” de Ignacio del Moral (España); “La Cuota de Plusvalía” de Benjamín Gelimeri (Chile); “Domingo” de Mónica Ogando (Argentina) y “Ella Bailaba Boleros de Isolina” de Santiago Martín Bermúdez.

Las Funciones del Tercer Padre: Obras José, “Atardeceres”, serán a partir de este viernes 6 de febrero, de viernes a sábado a las 8 pm y los domingos a las 6 pm en la Sala Principal del Teatro San Martín de Caracas.

Lugares comunes

2009-01-31T11:41:00.000+01:00

Tengo un par de amigos a quien le incomoda los lugares comunes. Aunque pensándolo bien, los efectos que los lugares comunes producen en ellos se acercarían más a las expresiones siguientes: les aterra, les da pavor, les causa pánico, animadversión...

Para ellos un lugar común es una especie de blasfemia, una hiedra que se adhiere a la obra y a la velocidad del rayo la va cubriendo con sus ramas hasta abrazarla por completo y por fin asfixiarla. Me cuentan, con la exageración natural del escritor, que mientras trabajan o leen un libro y sienten a la distancia el olor de un lugar común, apagan la computadora o cierran el libro y echan a correr.

Pero, ¿puede escribirse hoy en día con semejante temor a los lugares comunes cuando las historias de tanto contarlas se han agotado?

Recuerdo que a finales de los ochenta escuché una vieja canción que me encantó, una de esas rarezas que uno sólo se encuentra de tanto en tanto. La historia que se contaba en ella me pareció en extremo original y de paso muy cortazariana. Enseguida dije para mis adentros, “algún día escribiré algo basado en este tema”. Los años discurrieron como liebres, anduve de aquí para allá y de allá para acá, sin embargo, el azar me permitió cumplir con aquella promesa: “Cartas para Celia”, relato que aparece en mi libro Mensajes en la pared, viene a ser su materialización.

Tiempo después, a principio de la década de dos mil, compré un par de novelas de Milan Kundera, autor cuya obra me impuse casi como una obligación leer a partir de La insoportable levedad del ser. Mientras me adentraba más y más en la lectura de una de aquellas novelas de Kundera (no voy a mencionar su título para azuzar la curiosidad del lector) iba descubriendo más y más que las historias que a veces creemos originales no son tales y que los seres humanos, no importa en la latitud-longitud del globo terráqueo donde les haya tocado nacer, en cuestiones de sentimientos y emociones, tienden a comportarse o reaccionar más o menos de forma parecida. ¿Cómo si no llegamos a identificarnos con las historias que otros nos cuentan?

En fin... La canción que creí muy original —que hasta me empujó a escribir un relato corto— y la novela de Kundera se asemejaban tanto en sus anécdotas que cualquiera hubiera jurado que uno le había robado, o copiado, la idea al otro. Una cosa si bien no imposible sí bastante descabellada. No obstante, esas coincidencias suelen ocurrir con mayor frecuencia de lo que el común de la gente piensa que ocurren. Y aún más si nos enfocamos en los entornos creativos. Picasso y Braque, por ejemplo, inventaron el cubismo casi al mismo tiempo y antes de llegar a trabajar juntos, sin conocer el uno lo que había estado haciendo el otro, por “ pura casualidad”. Bueno, esto sólo es un decir (por eso lo he entrecomillado), puesto que ambos eran grandes admiradores de la obra de Cezanne.

Desde entonces, en mi caso particular, dejaron de molestarme los lugares comunes y comencé a preocuparme más por la manera cómo se abordaban las historias en los libros que leía, en lugar de abocar toda mi atención a la historia que se contaba. Es decir, desde entonces empezó a interesarme más la forma que el fondo. Por supuesto sigo creyendo que el fondo de cualquier relato es importante, pero definitivamente no es lo más importante, puesto que una buena obra es más que la suma de sus partes. Una historia mil veces contada puede aguantar otras mil veces más de narración (y creo que aún más), siempre y cuando la manera de narrarla aporte alguna novedad, alguna diferencia significativa con sus predecesoras. O que simplemente hinque sus dientes sin compasión ni titubeos en la condición humana, una característica a la que cada vez más le doy importancia cuando leo una buena historia.

En fin... No olvidemos que el miedo a los lugares comunes entre los escritores, desde hace ya bastante, se ha convertido también, en sí mismo, en un lugar común.

Cambios

2009-01-15T10:47:00.000+01:00

“El cambio es lo único constante” o “el cambio es lo único que permanece” son expresiones muy familiares para mí, que he escuchado recurrentemente a lo largo de mi vida, en especial en los últimos años que me dediqué a la informática. Eran los tiempos de “¿Quién se ha llevado mi queso?”, un libro que llegó a mis manos a través de distintas vías (internet, jefes, amigos y unos cuantos desconocidos) y que terminé odiando, entre otras cosas, porque era el predilecto de los facilitadores de los talleres con los que a veces los departamentos de recursos humanos de las grandes corporaciones suelen torturar a los empleados.

Eran también los tiempos en que la gente de IT veníamos de un largo proceso —nada sencillo, por cierto— de cambios aplicados en el hardware y software que usaban las compañías con el objeto de prevenirlas contra los desastres del efecto Y2K o Año 2000, ¿recuerdan? Años de duro trabajo y profundas transformaciones... De modo que ¿quién mejor que un informático para saber ponderar el significado de la palabra cambio? En esa época y en cualquier otra.

Y tras cada cambio es indispensable la necesaria transición, el breve o largo período de adaptación mientras las cosas van tomando su lugar, van ocupando el espacio que les corresponde, se van ajustando, amoldando al nuevo orden que impone el propio cambio. Sin este necesario período cualquier otro cambio que ocurra enseguida es probable que no pueda ser asimilado o aprovechado en su totalidad. Es así como la transición forma también parte inseparable del cambio, su vital compañera.

En mi vida he experimentado muchos cambios, la mayoría buscados, porque para bien o para mal soy de los que no pueden estarse quietos por mucho tiempo en un mismo lugar. Así cuando en casa todos creían que estudiaría una carrera relacionada con las artes, escogí Ingeniería en Informática. Apenas me gradué, busqué salir de casa, y aunque esto no se dio de inmediato, sí terminó dándose un par de años después de comenzar a ser “económicamente activo”. Otra ciudad, otros aires, otras oportunidades para el cambio. En mi trabajo siempre me mantuve cambiando, bien fuera de aplicación a la que daba soporte o de cargo en la organización que pagaba mi sueldo. Incluso, a mediados de los noventa, formé parte de un equipo de reingeniería (término que la mayoría de empleados no relacionaba con el cambio sino con los despidos) que propuso modificaciones significativas en los procedimientos y sistemas de logística y atención al cliente de la empresa que, a su vez, generaron innumerables modificaciones en las aplicaciones a las que daba soporte el departamento de IT. Fue sin duda una de las etapas más activas de mi vida profesional, en la que más he trabajado y aprendido —aprendido no sólo cosas técnicas, sino una especie de filosofía para resolver problemas, o intentar resolverlos, desde luego—. En la adolescencia milité en una fracción estudiantil del partido comunista, hice teatro y practiqué un apostolado en un barrio de esos que llaman de “estrato social bajo”, pero donde consolidé muchos de los principios que me han guiado hasta el día de hoy. De adulto trabajé para una corporación trasnacional y he invertido (ganado y perdido) en los mercados bursátiles internacionales. A los treinta me casé cuando llevaba toda mi vida diciendo que nunca lo haría; he cambiado varias veces de lugar de residencia; abrí, mantuve y cerré mucho después un club de video en el que pretendía (ingenuamente, claro está) popularizar algunas obras maestras del Séptimo Arte; y a principio de esta década, decidí colgar mi título de ingeniero y retomar mi carrera literaria que había interrumpido años antes por ese deseo irreprimible que me empuja a los brazos del cambio.

Hace poco, junto a mi esposa, he emprendido otro proceso de cambio; apenas ahora estamos en el período de transición del que he hablado líneas arriba: el tiempo de observar y dejarse llevar, de adaptarse. Sin embargo, estoy seguro de que los cambios no se detendrán, seguirán sucediéndose en mi vida como hasta ahora, y yo continuaré abriendo mi puerta, cediéndoles el paso y dándoles la bienvenida... Bien con una sonrisa en el rostro o con una mueca que se le parezca; bien para estar arriba o bien para estar abajo... Nunca se sabe... La vida es demasiado corta para vivir todas las vidas que a uno le agradaría vivir...

Premio de cuento para jóvenes autores

2009-01-13T13:18:00.000+01:00

Además de un joven autor en vías de consolidar su carrera como narrador (su último libro y primera novela, La huella del bisonte, Grupo Editorial Norma, 2008, fue acogido de manera entusiasta por un nutrido grupo de lectores), Héctor Torres es un fervoroso promotor de la literatura venezolana.

Desde ese rincón necesario como lo es Ficción Breve Venezolana, lleva años difundiendo la obra de autores de distintas generaciones y gracias a su boletín informativo, que distribuye semanalmente a través del email, mantiene a muchos al tanto de los eventos relacionados con la presentación de libros y otras actividades que tienen que ver con el entorno editorial del país.

También, junto a la reconocida escritora Ana Teresa Torres, cada año, bajo el patrocinio del PEN Venezuela y la Alcaldía de Chacao, organiza el evento Semana de la Nueva Narrativa Urbana, que en sus tres primeras ediciones ha tenido muy buena acogida de público.

Creo que seguramente gran parte de los miembros de las nuevas generaciones (y de las viejas también, desde luego) han hecho, por una u otra razón, contacto con Héctor y que de cierta manera tengan que agradecerles algo (yo por ejemplo, me incluyo en esa larga lista; la de las nuevas generaciones, se entiende) debido a su entrega y desprendimiento en esa labor de difusión de la que he venido hablando.

Quizá por este motivo la Policlínica Metropolitana de Caracas le ha encargado la responsabilidad de coordinar su joven premio de cuentos para jóvenes autores que en este año arriba a su tercera edición.

A continuación reproduzco, tal y como me las ha hecho llegar el propio Héctor, las bases para los interesados, y como siempre, recomiendo leerlas con detenimiento antes de enviar cualquier material para que luego no haya “sorpresas inesperadas”.

BASES COMPLETAS

La Policlínica Metropolitana convoca al PREMIO DE CUENTO "POLICLÍNICA METROPOLITANA" PARA JÓVENES AUTORES, en su tercera edición (2009).

La Policlínica Metropolitana ha instituido este premio como un reconocimiento a los jóvenes talentos venezolanos en el arte de la escritura. Con este premio se pretende promocionar y estimular la alta creación juvenil y enriquecer el patrimonio cultural escrito.

Los autores que concursen deberán regirse por las siguientes

B A S E S

1.- Podrán participar todos los autores venezolanos, o extranjeros residenciados en el país, menores de 40 años.

2.- Se admitirá un sólo cuento por autor, de tema libre, los cuales deberán ser originales, inéditos y escritos en lengua española, con extensión comprendida entre las cinco (5) y las veinticinco (25) cuartillas, a doble espacio e impresas por una sola cara. Los textos participantes deberán ser inéditos, no premiados anteriormente ni comprometidos en otro concurso o publicación.

3.- Se otorgará un 1er. premio de Bs.F. 6.000, un 2do. premio de Bs.F. 3.000 y un 3er. premio de Bs.F. 1.500. El jurado podrá otorgar, además, las menciones que considere necesarias.

4.- Los cuentos participantes serán recibidos hasta el 15 de febrero de 2009. El veredicto se dará a conocer el 15 de abril de ese año, fecha en que se precisará el día del acto de premiación. Un número limitado de cuentos podría resultar con menciones honoríficas, a consideración del jurado, con opción a ser publicados junto con el cuento ganador, sin que ello implique ninguna retribución monetaria para los autores. Policlínica Metropolitana se reserva el derecho de publicación y explotación de las obras premiadas, así como el de las menciones honoríficas, en cualquier forma y modalidad, dentro y fuera del territorio nacional, sin limitación alguna. En consecuencia, el ganador, los premiados y aquellos con posibles menciones honoríficas, cederán a Policlínica Metropolitana los derechos para editar, publicar y comercializar las obras, en un número limitado de ejemplares y por un plazo máximo de cinco (5) años, contados a partir de la fecha del concurso, aunque se trate de una coedición.

5.- Los premios serán indivisibles y no podrán ser declarados desiertos.

6.- Los textos participantes se enviarán con seudónimo, en cuadruplicado, a la siguiente dirección: Junta Directiva, Sótano 2, Policlínica Metropolitana, Calle A-1, Urbanización Caurimare, Caracas, 1060. En sobre aparte se colocarán el nombre del cuento, el seudónimo y los datos completos del autor (nombre, dirección, CI, teléfono, correo y un breve CV literario). También podrán participar enviando al correo electrónico: concursodecuentos@pcm.com.ve y un archivo adjunto con el cuento en word, y otro con los datos del autor.

7.- El jurado del concurso estará integrado por los escritores Ednodio Quintero, Alberto Barrera Tyzska y Krina Ber.

8.- Todo lo no estipulado en estas bases será resuelto por el Comité Organizador.

9.- Los ganadores se comprometen a participar personalmente en la ceremonia de entrega del premio, actos de presentación y promoción de su obra. Los autores ganadores y aquellos con menciones honoríficas autorizarán a los organizadores del premio utilizar su nombre e imagen con fines promocionales.

10.- No podrán participar aquellas personas que trabajen en la Policlínica Metropolitana, C. A., ni en sus empresas filiales.

¿Spiderman en los billetes de un dólar?

2009-01-09T12:28:00.000+01:00

Algunos conocen sobre mi debilidad hacia los cómic (en especial The Amazing Spider-man), así que al toparme esta mañana con esta nota en el diario El País, no pude evitar la tentación de hacer la referencia en mi blog. En la imagen de arriba, con su particular sentido del humor, Spidy le dice a Obama: “Hey, if you set to be in my cover, can I be on the dollar bill?”. Cosas de Spidy...

A ver si no es demasiado tarde...

2009-01-06T12:54:00.000+01:00

Ayer por la tarde se realizó en Madrid la tradicional Cabalgata de los Reyes Magos. Este año la propuesta del Área de Las Artes de Madrid para la Cabalgata tomó como argumentación a la naturaleza y es quizá una buena ocasión para subir el video que ahora pongo a disposición de los cibernautas que caen por error o les gusta pasearse de tanto en tanto por estos espacios. Tal vez algunos ya lo han visto porque lleva tiempo recorriendo la internet. Pero nunca está demás redundar sobre el asunto: es un hecho que nos atañe a todos y diariamente hay que reflexionar y actuar en la medida de nuestras posibilidades sobre él... A ver si no es demasiado tarde...

Orden y vida

2008-12-31T14:35:00.000+01:00

Por estas fechas algunos suelen hacer su lista de buenas intenciones que se comprometen a cumplir seriamente durante el nuevo año que está a punto de abrir sus puertas de par en par.

Quizá para muchos sean las mismas buenas intenciones que aspiraban cumplir durante este otro año que se va, y que debido a múltiples razones, tuvieron que dejar de lado empujados por el cúmulo de actividades diarias que a todos nos toca y que nos vemos en la obligación de cumplir.

Sin embargo, lo cierto es que desde un principio muchas de esas buenas intenciones están destinadas al naufragio, al fracaso, principalmente porque se las piensa o se las dice en un momento de arrebato, contagiado por la emotividad de estos días de fin de año que mueven tanto a los compromisos, a los balances y a las buenas intenciones.

Para que esas metas dichas o pensadas, revestidas del aura maravillosa de esta época, lleguen a concretarse, son necesaria al menos dos cosas: metodología y voluntad, o lo que es lo mismo: orden y perseverancia.

Desde que comencé a desempeñar la carrera en la que me gradué —la digo una vez más para aquellos que todavía no lo saben: Ingeniero en informática—, trasladé al ámbito personal la metodología que usaba en el ámbito profesional para no perder de vista mis “buenas intenciones” de cada año: construir una lista con diez o doce metas concretas (no más), que fueran realmente alcanzables y que dependieran más de mí que del azar (nada como “este año me gano el gordo en la lotería”); fijar a cada una de estas metas un peso específico de acuerdo a su importancia o relevancia; definir un par de fechas tentativas para su cumplimiento dentro del año (la más cercana y la más lejana, por ejemplo, y cuidar de que las fechas de cumplimiento de todas las metas no coincidieran en el último trimestre) y por último crear una hoja de cálculo donde vaciaría todas esta información y que me serviría de herramienta, de brújula, para dar seguimiento (mensual y a veces hasta semanal) al desarrollo o cumplimiento de cada una de las metas que me había trazado. Esta metodología ha permitido que esté “encima” de mis buenas intenciones y que no las eche al olvido, hasta que vuelvan a mí —para atormentarme, desde luego— a finales de año. Y por supuesto, a lo anterior habría que agregar una buena dosis de empeño, de perseverancia.

Que la gente no cumpla con las metas que se trazó alguna vez, por lo general, creo que depende más de ellas mismas que de su entorno, y de que no se tracen un plan u orden realmente factible para poder lograrlas. O que simplemente hayan escogido o impuesto a sí mismas metas inalcanzables.

Durante un reciente vuelo de Frankfurt a Madrid, me tropecé con una de esas historias anónimas que lo dejan a uno reflexionando sobre la falta de compromiso que a veces tenemos con nosotros mismos, con nuestros pequeños sueños. Al abordar el avión me encontré con que mi puesto estaba ocupado por una persona. Era una mujer de mediana edad, sin duda europea, y con unos enormes lentes oscuros. Me le acerqué y le pregunté en inglés qué asiento tenía, me respondió que el 22D, pero que la azafata la había reubicado en ese —el 22F, el que me correspondía— por cuestiones de seguridad y para mayor comodidad, y que si quería saber algo más ella con gusto me ampliaría la información. Le dije que estaba bien, que no había problema, que yo ocuparía su puesto. Total, hace tiempo que en los aviones prefiero pasillo a ventanilla, sobre todo si la fila que me toca es de tres puestos. Y eso hice. Quiso el azar que el 22E quedara libre y que casi a mitad de vuelo la señora del 22F y yo entabláramos una extensa y agradable conversación, después de que, también por azar, ambos nos percatáramos que habíamos nacido bajo el signo del mismo idioma. La señora resultó ser española, de Segovia, para más señas, y con un nombre muy castizo: María José González.

La historia de María José enseguida me cautivó: hace diez años le detectaron un tumor avanzado que, pese a no lograr arrebatarle la vida, sí dejó sus secuelas: le quitó el sentido de la vista. En menos de seis meses su vida dio un giro inesperado: además de quedar totalmente ciega, su esposo la abandonó y no tuvo más remedio que enfrentar toda aquella tragedia a solas. Tras superar la depresión que le generó el nuevo orden de su vida, acudió a un organismo que prestaba ayuda a los invidentes y decidió empezar desde cero. Ahora María José es una persona completamente independiente, que trabaja y hace una vida en relativa normalidad, hasta navega por internet, y envía y responde emails gracias a dispositivos especiales. Vive y trabaja en Colonia, Alemania. Tiene un humor envidiable y le encanta conversar y conocer personas de otras culturas. Habla varios idiomas, aunque me confesó que el peor que se le daba era el inglés (que sin embargo era muchísimo mejor que el mío), que si tenía que hablarlo lo hacía pero no se sentía cómoda (cosa que no le sucede con el alemán, que lo hablaba a placer con las azafatas de Lufthansa). Entre las muchas cosas que me dijo hubo una que me empujó a escribir este post: “el orden para una persona normal es la mitad de su vida, pero para un invidente es TODA la vida”.

Así que también yo por estos días tengo planeado hacer mi lista de buenas intenciones para el año entrante. Echaré mano a la metodología de siempre, pero esta vez con la mente puesta en las palabras de María José. Y es que algo tenemos que aprender cuando nos topamos con las historias anónimas de personas especiales y maravillosas como ella.

Regresa “Cuando seamos grandes”

2008-10-21T06:53:00.000+02:00

Tras su exitosa primera temporada y su participación en la X edición del Festival de Teatro Infantil José Gregorio Romero 2008, Cuando seamos grandes, montaje de la pieza infantil escrita por Víctor Vegas, dirigido por Jennifer Morales y producido por el Teatro San Martín de Caracas, regresa a la sala principal de este teatro del noroeste de la ciudad a partir del próximo 8 de noviembre.

La puesta en escena cuenta con las actuaciones de Paola Baroferre, Oriana Nigro, Zammy Giménez, José Alberto Blanco, Kaoru Yonekura y la participación especial de la niña Verónica León.

Cuando seamos grandes obtuvo en 2006 el primer premio en el IX Certamen de Dramaturgia Infantil de la Universidad Central de Venezuela y fue publicada ese mismo año por el Fondo Editorial Pío Tamayo (Barquisimeto, Venezuela).

Las funciones serán los días sábados y domingos a las 3:00 pm. El Teatro San Martín de Caracas está ubicado en la Av. San Martín c/Pte. 9 de Diciembre, estación metro Artigas, telf. (212) 4512161/3772526. Estacionamiento privado al lado del teatro.

Saudade da Bahía

2008-09-26T17:11:00.000+02:00

Una de las últimas tareas que le asignaron a mi esposa en su curso de portugués —curso que hace para saldar una deuda con sus raíces lusas: su padre, como tantos otros, emigró a estas tierras desde la isla de Madeira a mediados del siglo pasado— fue la de seleccionar una canción, investigar todo lo relacionado a su tema y autor para posteriormente hacerla sonar durante la próxima clase, exponer lo investigado y propiciar la discusión en el aula.

Como toda mi cultura musical lusa se reduce a Madredeus y uno que otro fado, ante la ayuda que me solicitaba mi esposa, le puse como condición que por favor nos limitáramos a la música brasilera, de la que sí soy seguidor, incluso desde el primer día en que pude elegir lo que me gustaba o no, que es casi como decir que soy seguidor de la música brasilera desde que tengo uso de razón.

El siguiente fin de semana tuvo entonces sabor a caipirinha y reminiscencias del olor y el arrullo que producen las olas al romper sobre las costas de Salvador de Bahía. En el stereo sonaron sin cesar las voces de María Bethania, Elis Regina, Gal Costa, Rita Lee, Nana Caymmi, Beth Carvalho, Simone, Antonio Carlos Jobim, Caetano Veloso, João Gilberto, Chico Buarque, Toquinho, Gilberto Gil, Milton Nascimento entre muchas otras. Vale decir que a Roberto Carlos lo asocio, ineluctablemente, con los días de mi infancia, en exclusivo español, de manera que no entró en la programación de ese fin de semana.

Confieso que tenía tiempo sin colocar muchos de aquellos cds pues en los últimos cuatro o cinco años me había dedicado a escuchar música en español e inglés, pese a que considero a los músicos brasileros como los más virtuosos del continente (¿o del planeta?), en cuanto a música popular se refiere. La riqueza de matices en la música brasilera tal vez se acerque al infinito. Escucharla produce en el alma una sensación parecida a la de estar parado frente a un cuadro de Cezanne. Y para muestra un botón: la larga y prolífica trayectoria de Caetano Veloso, uno de mis músicos predilectos y, quizá, el exponente en vida más representativo de la cultura musical del gigante del sur. Veloso se inició en la década de los años sesenta del siglo pasado y todavía hoy, a comienzos de este siglo XXI, se mantiene tan creativo y activo como en sus primeros años. Justo de Caetano Veloso fueron los temas por los que mi esposa se inclinó para desarrollar su tarea. Y conste que no ejercí ningún tipo de influencia. Sólo me dediqué a representar, como mejor pude, mi papel de improvisado y amateur dj.

Ella quería un tema que fuera movido, que sonara “diferente”, y que a la vez su letra tuviera contenido. Así que su elección se decantó por “O Navio Negreiro”, sencillo incluido en el trabajo de Veloso titulado Livros, de 1997.

“O Navio Negreiro” es un tema poderoso, de esos que lo envuelven a uno para sacudirlo luego desde las propias entrañas; con elementos y profundas raíces de la música tradicional de África, donde los instrumentos de percusión (a cargo de Carlinhos Brown) son el único acompañamiento de las voces de Veloso y María Bethania; voces que, por cierto, le guiñan con descaro un ojo a otro movimiento musical de connotaciones negroides como el rap. Veloso tomó fragmentos del poema del mismo nombre, compuesto por Antonio de Castro Alves (1847-1871), en el que el poeta romántico (a quien habría que dedicarle un post entero), con brutal dramatismo, dejó plasmado de forma contundente y conmovedora el testimonio de lo que fueron las travesías de los navíos negreros desde las costas occidentales del continente africano, a la nueva tierra que esperaba ansiosa a sus pasajeros para hacerlos esclavos. Sin embargo, ellos a la postre traerían mucho más que un par de manos para la faena y una espalda para que el amo de turno descargara sus frustraciones. De hecho, a decir del propio Veloso, en un trabajo posterior que tituló Noites do Norte (2000): “A escravidão permanecerá por muito tempo como a característica nacional do Brasil”.

La herencia cultural africana es un tema recurrente en las composiciones de Veloso, especialmente las que conforman Noites do Norte, donde rinde un sentido homenaje a los millones de hombres y mujeres que entre los siglo XVI y XIX fueron obligados a cruzar el atlántico para convertirse en esclavos en el nuevo continente. A esos mismos que Castro Alves intenta redimir en su poema a través de dantescos y desgarradores versos:

Senhor Deus dos desgraçados!
Dizei-me vós, Senhor Deus,
Se eu deliro... ou se é verdade
Tanto horror perante os céus?!...
Ó mar, por que não apagas
Co'a esponja de tuas vagas
Do teu manto este borrão?
Astros! noites! tempestades!
Rolai das imensidades!
Varrei os mares, tufão! ...

Vale decir que Castro Alves murió sin ver hecho realidad uno de sus mayores sueños, al que dedicó vida y obra: la abolición de la esclavitud. Al ponerle música a “O Navio Negreiro”, Veloso también contribuye con la difusión de la obra del poeta, una especie de Rimbaud nacido en este lado del Atlántico.

La generación tardía

2008-09-08T15:18:00.000+02:00

Siempre se habla de la crisis de nuestro teatro contemporáneo y a veces uno se hace cómplice de esta afirmación después de ser testigo de un abominable y esperpéntico espectáculo representado sobre alguno de nuestros escasos escenarios. Pero a despecho de esta actitud pesimista, si algo ha caracterizado al teatro universal es su heterogeneidad y su capacidad inagotable de renovación. Es así como un día podemos ver un montaje o una propuesta de cierta agrupación que nos satisface o deslumbra, y, al otro, algo realmente distinto, incluso muy inferior. Y viceversa. De igual manera una pieza de un mismo autor puede ser luz en las manos de determinado director y sombra en las de otro. También hay obras y montajes que ni que se materialice en escena el espíritu de Shakespeare o de los autores clásicos griegos. Todo esto sin mencionar que, durante cada función, un mismo montaje puede llegar a ser distinto. El teatro permite esto y mucho más porque es un ente vivo, en constante evolución (o involución, también es válido), a cuya vera se conjugan los procesos de varios creadores: autor, director, actores, luminitos, escenógrafos, musicalizadores o sonidistas, productores, etcétera, etcétera. El aporte de cada uno —y en conjunto— es lo que finalmente produce el resultado que llega a los sentidos del espectador.

Al calor de esta crisis, y a las muchas otras que la han precedido (suelo tener presente las palabras de Carlos Giménez: “pienso que este enfermo incurable al que llamamos teatro, sigue agonizando con buena salud”), aparecen nuevas generaciones de teatreros dispuestas a tomar o arrebatarle el testigo a la generación anterior, bien sea creadores que salen al escenario o aquellos que se quedan back stage. Son muchos los que en la actualidad están tratando de ganarse un espacio a punta de talento, pasión y disciplina, gente joven en su mayoría, sin embargo, en mi nota no voy a referirme a ellos exactamente, sino a un grupo de nuevos dramaturgos, no tan jóvenes, con quienes he tenido la suerte de establecer un diálogo constructivo.

A principios del año pasado, Loida Pérez convocó a varios dramaturgos —de los que comenzábamos a hacer público nuestro trabajo— para sumarse a un proyecto que ella venía cocinando desde hacía tiempo. Se trataba de escribir obras breves, de no más de diez minutos, para luego llevarlas a escena en forma de un espectáculo de lecturas dramatizadas o montajes mínimos. Ya ella contaba con un espacio para materializar dichas propuestas: la Sala Experimental del Centro de Estudios Latinoamericano Rómulo Gallegos o CELARG. Apartando los resultados del proyecto, que todavía están por ser evaluados, lo más resaltante e interesante, desde mi punto de vista, fue el proceso cómo las obras que conformarían cada una de las puestas en escena fueron concebidas: se proponía un tema, los autores decidían si escribirían o no una pieza abordándolo, una vez escritas, las piezas se hacían llegar a todos los autores, se leían y eran comentadas; tras una revisión, todas eran entregadas al director que se encargaría de realizar la puesta que, finalmente, era quien seleccionaba las obras que formarían parte del espectáculo. Por supuesto, para unos autores, el proceso en sí tuvo sus bemoles, pero esa es materia para otro post. Para mí fue un proceso enriquecedor: tener la posibilidad de entrar en contacto con la obra de otros dramaturgos a quienes me unía ciertas coincidencias (edad, búsquedas, haber obtenido algunos premios y no haber sido representados profesionalmente o estar en vías de) y compartir un singular espacio donde nos leíamos y comentábamos.

De aquel grupo de dramaturgos rescato cuatro nombres que desde entonces a esta parte han resonado en el ámbito local: Juan Ramón Pérez, quizá el más “veterano” de todos, con varias piezas a cuestas y quien este año se estrenó como guionista de cine en la película “1, 2 y 3 Mujeres” y estrenará su pieza, “Hasta la vista, Beibi”, en un festival de teatro venezolano en París; Vicente Lira, de quien ya se han estrenado dos comedias con éxito de público, una de ellas con dos temporadas (la primera en el Ateneo de Caracas y la siguiente en el CELARG); José Antonio Barrios, que además es actor y poeta —y quizá la cara más conocida del grupo, por unos populares comerciales de TV—, que también ha conseguido que un par de sus piezas suban a los escenarios y, por fin, Roberto Azuaje, el que faltaba por estrenarse ante el público pero que en los próximos días lo hará por partida doble, con el montaje de “José Amindra”, dirigido por Dairo Piñeres y producido por Rajatabla, y con “Siete grados de entropía tropical”, montaje que será realizado y presentado en Londres durante el Festival de teatro latinoamericano CASA, ambas en el mes de septiembre.

No me cabe duda de que la obra de estos autores seguirá dando de que hablar en los años venideros, siempre y cuando se mantengan en la búsqueda que los ha traído hasta el punto donde se encuentran ahora. Incluso por allí, entre bastidores, he escuchado una denominación para agruparlos: “la generación tardía”, porque todos se han estrenado en el circuito profesional después de los cuarenta —desde luego, esta denominación también me incluye. Lo importante es que continúan trabajando (por ejemplo, las últimas dos piezas que he leído de José Antonio Barrios me han sorprendido gratamente, sobre todo porque en ellas ha dejado de lado su faceta de comediógrafo y ha abordado temas de mayor compromiso autoral), buscando y consiguiendo que sus piezas lleguen hasta el público, con lo difícil, es sabido, que resulta esto en un país como el nuestro. En lo posible trataré de seguir sus carreras y celebraré sus éxitos, como lo he hecho hasta el día de hoy, porque, aunque “tardía”, hay que celebrar a las generaciones de relevo en nuestro teatro.

Otra vez Vargas Llosa

2008-09-07T14:10:00.000+02:00

En mi versión del mundo, literatura y política van juntos. Rechazo la separación y en esto me encuentro de acuerdo con mis adversarios, la literatura no puede aislarse de la vida social.

Fuente: el-universal.com

José Antonio Barrios gana el I Concurso Dramaturgia Breve "Gilberto Pinto"

2008-09-06T19:00:00.000+02:00

Con la pieza "Mi reino por un sueño... una cuerda tensa a punto de romperse", basada en la atormentada vida del poeta venezolano Ramos Sucre, José Antonio Barrios se alzó con el premio único del I Concurso Dramaturgia Breve "Gilberto Pinto", convocado por la Casa Nacional de las Letras "Andrés Bello".

El jurado del concurso, integrado por Rodolfo Porras, Carlos Arroyo y Gustavo Ott, seleccionó la pieza de Barrios entre el grupo de obras participantes “por considerar el carácter innovador propuesto en la estructura dramática, la creación de atmósferas, la visión humanista y poética de los personajes así como un consistente dominio de la escritura escénica”.

José Antonio es actor y poeta y su trabajo como dramaturgo ha sido reconocido anteriormente con el premio de dramaturgia de Fundarte 2006 y estuvo entre los finalistas del Premio CASA de Dramaturgia Venezolana (Londres, Reino Unido), convocado el pasado mes de febrero por el Festival inglés y el Teatro San Martín de Caracas.

Editorial venezolana abre período de recepción de manuscritos

2008-09-03T18:33:00.000+02:00

Editorial Cronopios abre convocatoria para autores venezolanos

Un nuevo emprendimiento editorial venezolano, Editorial Cronopios, acaba de abrir el plazo de recepción de obras para sus primeras publicaciones, que serán presentadas a mediados de 2009 como parte de un ambicioso proyecto que pretende “elevar los estándares en el ámbito editorial venezolano en cuanto a la calidad gráfica y literaria de lo publicado, y su promoción y difusión”, según indicó la escritora Marianne Díaz Hernández, una de sus impulsoras.

Hernández dirige la editorial junto con su madre, la también escritora Susana del Rosal, y en el equipo trabajan además una diseñadora gráfica, correctores y un asesor jurídico. El sello está dedicado a la publicación de libros de autores venezolanos, preferiblemente poco difundidos hasta el momento. Publicará libros de poesía y ensayo, pero su principal interés editorial será el relato y la novela breve.

Los libros aparecerán clasificados en cuatro colecciones: Babel, con traducciones hasta ahora inéditas, o poco difundidas, de obras extranjeras; Libro de Arena, de narrativa breve de ficción; Arroyito, de narrativa y poesía dirigida al público infantil, y Horizontes, de ensayo de carácter social.

“Una de nuestras políticas fundamentales es la apertura, en el entendido de recibir originales y considerarlos para publicación, con independencia de cualquier criterio excepto su calidad literaria”, explicó Díaz Hernández, quien agregó que la tecnología será un aliado indispensable del sello. “Proyectamos presentaciones y lecturas de nuestros libros, campañas publicitarias y la integración del uso de la tecnología en el espacio de la editorial. Algunos de nuestros escritores podrían mantener blogs dentro del espacio de la editorial, y como estrategia promocional se liberará fragmentos de sus libros en formato PDF”.

Para este primer período de recepción de obras, que cierra el 1 de noviembre, Cronopios está buscando libros inéditos y en español, pertenecientes a los géneros de narrativa, poesía o ensayo, aunque se le dará preferencia a los libros de relatos y a los ensayos sobre temas literarios o sociales. Los mismos deben tener de 50 a 150 páginas tamaño carta, en tipografía Arial a 12 puntos y con un interlineado de 1,5 centímetros. Los interesados deben enviar sus libros, acompañados de la correspondiente nota biográfica y datos de contacto, al correo editor@editorialcronopios.com.

Fuente: Letralia.com

Premio Municipal de Teatro 2008

2008-09-02T16:16:00.000+02:00

En la tarde del martes 26 de Agosto de 2008 se conocieron los resultados del Premio Municipal de Teatro 2008:

Mejor Dirección: Costa Palamides por Penitentes y Barranca abajo - TEATRELA
Mejor Actriz: Haydé Faverola por Los días Felices - bajo la dirección de Humberto Ortiz y la producción de Alberta Centeno.
Mejor Actor: Delbis Cardona por Penitentes - TEATRELA
Mejor Actor de Reparto: Luigi Sciamanna por Los Productores - PALO DE AGUA PRODUCCIONES
Mejor Actriz de Reparto: Beatriz Vásquez por La duda -
Mejor Texto: Elio Palencia por Penitentes - TEATRELA
Mejor Teatro Académico: Mi hermano José Rosario - Grupo Teatral Abrapalabra
Mejor Teatro de tìteres: El cazador casado - Grupo IAVE
Mejor pieza de teatro infantil: La zaranda - DRAMO
Mejor Producción: Marisela (Cocó) Seijas y Juan Carlos Azuaje por Penitentes - TEATRELA
Mejor Escenografía: Fernando Calzadilla por Los días felices - TET
Mejor Vestuario: Edgar Gil por El eco de los ciruelos - COMPAÑIA NACIONAL DE TEATRO
Mejor Iluminación: Dario Perdomo por El eco de los ciruelos, Penitentes y El alquimista -
Mejor Teatro de Calle: La historia que a mí me contaron - Fundación Casa del Arco iris
Mejor Musicalización: Marco Suniaga por Sueño de una noche de verano - LA BACANTE
Mejor Música Original: Abiram Brizuela por Cuentos de guerra para dormir en paz - TUMBARRANCHO TEATRO

Menciones Especiales para los dramaturgos Karin Valecillos por Cuentos de guerra para dormir en paz y Ricardo Nortier por el texto de Parece que va a temblar.

Fuente: Aliarts

La fuerza devastadora de la verdad

2008-08-19T17:33:00.000+02:00

A veces, no siempre quien se atreve a buscar la verdad está preparado para encararla.

Es lo que le ocurre al veterano de guerra Hank Deerfield, interpretado por Tommy Lee Jones, en la película In the Valley of Elah, de Paul Haggis, titulada en nuestro idioma como La conspiración, un título, dicho sea de paso, desafortunado, porque nada tiene que ver con la esencia de la cinta y, aún mucho peor, porque condiciona al espectador desde antes de entrar a la sala.

Hank Deerfield es un oficial retirado del ejercito estadounidense que, tras la desaparición de su hijo menor —Mike Deerfield, alistado en el ejército estadounidense—, luego de que regresara de una misión en Irak, decide investigar qué ha sucedido con él. Hay un precedente: Hank perdió a su otro hijo, miembro de la fuerza aérea, en un accidente de helicóptero. Después de corroborar que las autoridades de la base militar donde estaba destacado Mike, no tienen la menor disposición de ayudarlo, Hank decide acudir a las autoridades civiles. Sin embargo, allí tampoco obtiene colaboración puesto que la detective que lo atiende, Emily Sanders (Charlize Theron), una mujer frustrada porque le asignan casos menores, sin trascendencia, razón por la cual sus compañeros de oficina (todos hombres) viven burlándose de ella, le dice que su caso corresponde a instancias militares. Es así como Hank, por cuenta propia, emprende una pesquisa para dar con el paradero de su hijo. Es importante agregar que, durante la mayor parte de su carrera militar, Hank se desempeñó como investigador, por tanto no se le hace difícil colectar información que poco a poco lo va llevando a descubrir una verdad que no esperaba encontrar; también que, Emily Sanders, al final, acaba ayudándolo en su pesquisa.

In the Valley of Elah hace referencia al lugar donde se produjo una conocidísima confrontación bíblica. A decir de Paul Haggis: "El rey Saul mandó a David al valle de Elah para luchar contra Goliat con sólo cinco piedras y una resortera. Me pregunté ¿quién haría eso? ¿quién mandaría a un joven a luchar contra un gigante? Esta película trata de nuestra responsabilidad al mandar a jóvenes, hombres y mujeres, a la guerra…”.

Haggis tiene por costumbre, en sus guiones, hurgar en ciertos temas escabrosos de la sociedad norteamericana contemporánea, por ejemplo, bastaría con recordar Crash (que también dirigió), A million dollar baby y Flags of our fathers por sólo nombrar a tres de los más recientes. En este último trabajo que reseño, no hace más que ratificar esa agudeza de su ojo en una nueva mirada crítica que deja caer sobre la sociedad estadounidense. El personaje de Hank reúne toda esa complejidad, toda esa contradicción, toda esa frustración que deben sentir y padecer ciertos ciudadanos pensantes y sensibles de ese enorme país del norte (aunque, también, como la mayoría, llenos de prejuicios) que en nombre de la libertad y la democracia, atropella y aplasta a otros países más pequeños, construyendo en ellos infiernos donde lo único que tiene cabida es la exacerbación, y a veces de la manera más frívola, de los peores instintos que puede albergar la naturaleza humana.

Experimento con espejos

2008-08-14T15:59:00.001+02:00

Cuando miramos en el espejo, nuestra belleza relativa no es lo único que juzgamos mal. En una serie de estudios, Marco Bertamini (investigador de la Universidad de Liverpool) y sus colegas han hecho preguntas como: imagine que está parado delante de un espejo en el baño, ¿qué tan grande cree que es la imagen de su rostro en la superficie? Y, ¿qué sucedería con el tamaño de esa imagen si retrocediera de manera constante, alejándose del espejo?

A la primera pregunta la mayoría de personas responde: El contorno de mi rostro sería, con bastante precisión, el tamaño de mi rostro. En cuanto a la segunda, es obvio: si me alejo, el tamaño de mi imagen se reducirá con cada paso que dé.

Resulta que ambas respuestas son incorrectas. Dibuje el contorno de su rostro en un espejo y se dará cuenta de que es la mitad del tamaño de su rostro real. Retroceda y el tamaño de ese contorno ovalado no va a cambiar, incluso al tiempo que cambia la escena del fondo reflejada en el espejo.

Fuente: The New York Times

Batman ecléctico

2008-08-08T00:33:00.000+02:00

Religión e ideologías suelen usar principios similares para sumar adeptos a sus filas. El más conocido de ellos es anteponer la fe a la verdad. Más allá de los dogmas que unen al feligrés, militante o fanático con su religión o ideología, no hay nada más a lo que pueda o deba rendirle culto.

Sin embargo, dejando de lado a estas dos manifestaciones del intelecto, religión e ideologías, por el alto componente emotivo, irracional, que invariablemente las envuelve, que llevan ligado a su origen, ¿sería correcto anteponer la fe a la verdad en el resto de las actividades humanas? Éste, y otra cantidad inusual de dilemas éticos para una película basada en un cómic, son abordados desde una perspectiva perturbadora en Batman: The Dark Knight, del realizador británico Christopher Nolan.

Si bien Nolan nos tiene acostumbrados, en sus cintas, a sumergirnos en esta clase de cuestionamientos morales (recuerden: Following, Memento, Insomnia, The Prestige), la combinación que ha logrado con Batman... es de verdad inquietante: ¿hablar de moral y ética, sumidos en una atmósfera sórdida, violenta y brutalmente dividida o liderada por freaks, en una adaptación al cine de un cómic? Se trata de una actitud valiente, y en extremo original, ¿quién se atrevería a ponerlo en duda? Porque en ella no sólo cuenta el eterno enfrentamiento entre el bien y el mal, entre el orden y el caos, entre lo blanco y lo negro, sino que Nolan introduce entre ambos extremos una paleta de grises que en ocasiones acerca de manera peligrosa a ambos puntas de una misma realidad, hasta casi juntarlas, hacer que luzcan como cosas similares. Y a estas alturas, cómo no decirlo, la magistral actuación de Heath Ledger, interpretando a El Guasón, Némesis de Batman, ha sido la piedra fundacional para los arriesgados propósitos de Nolan.

Quizá otra de las cosas positivas que el joven director ha empezado a conseguir con Batman: The Dark Knight, es que mucha gente que tenía innumerables e infundados prejuicios hacia el cómic, y, desde luego, hacia sus adaptaciones cinematográficas, comience ahora a mirar con otros ojos este género de la creación a veces tan marginado, tan vilipendiado por aquellos que se precian de una supuesta supremacía o pureza intelectual.

¡Bravo por este Batman ecléctico que nos ha regalado Nolan y su extraordinario equipo!

“Cuando seamos grandes” en el Festival de Teatro Infantil José Gregorio Romero 2008

2008-08-04T18:32:00.000+02:00

Cuando seamos grandes, montaje de la pieza infantil escrita por Víctor Vegas, dirigido por Jennifer Morales y producido por el Teatro San Martín de Caracas, se estará presentando el 23 y 24 de agosto durante la X edición del Festival de Teatro Infantil José Gregorio Romero 2008.

El Festival está organizado por la agrupación Puertoteatro y tendrá lugar en la ciudad de Puerto La Cruz, entre el 9 y el 24 de agosto. Como en años anteriores, contará con la participación de agrupaciones locales, nacionales e internacionales.

Cada año el Ateneo Cecilio Acosta de Puerto La Cruz, y otros escenarios del municipio Sotillo, abren sus puertas para recibir a actores, titiriteros, cuentacuentos, junglares y otros artistas que con su gracia y talento logran dibujar sonrisas en los niños, jóvenes y adultos de la región que se han convertido en fiel público de este colorido encuentro. A decir del crítico Carlos Herrera, “este Festival está posicionado en el subconsciente colectivo del pueblo puertocruzano, al igual que el Festival de Oriente. Siempre habrá que hacer un extra pero grandes y chicos asisten informados y con gran expectación”.

Cuando seamos grandes cuenta con las actuaciones de Paola Baroferre, Oriana Nigro, Zammy Giménez, José Alberto Blanco, Kaoru Yonekura y la participación especial de la niña Verónica León. El montaje tuvo su primera y exitosa temporada del 29 de marzo al 4 de mayo de 2008 en la Sala Principal del Teatro San Martín de Caracas. Ahora le toca el turno de disfrutar, al oriente del país, de este magnífico espectáculo pensado para toda la familia.

Fuente: Diario El Tiempo

Murakami va al cine

2008-07-31T18:19:00.000+02:00

Habrá quien coincida conmigo en la opinión que Tokio Blues (Norwegian Wood) es la novela menos representativa de la obra del autor japonés Haruki Murakami. En otras palabras, pese a ser la más popular (sólo en Japón ha vendido 8.7 millones de ejemplares, ha sido traducida a 33 idiomas y es uno de los mayores éxitos recientes de la literatura japonesa) no es la que mejor refleja ese “mundo raro”, pletórico de misterios, entre lo real y lo onírico, contaminado hasta los tuétanos de fantasía, que caracteriza al resto de la obra novelística de Murakami, como lo son la emblemática Crónica del pájaro que da cuerda al mundo o la también extraordinaria y emotiva Kafka en la orilla.

Sin embargo, Tokio blues conserva el tono intimista y nostálgico de sus otras novelas y es quizá la más adecuada, la más convencional, para que un lector no habituado al universo Murakami se inicie en la lectura de su obra.

Hoy leí que el director franco-vietnamita Tran Anh Hung dirigirá la versión cinematográfica de Tokio Blues, que según Efe, producirá la compañía Asmik Ace Entertainment junto a la televisora japonesa Fuji, tras lograr el consentimiento de Murakami. Está previsto que el rodaje comience dentro de dos meses, con el fin de que la película sea distribuida en las salas de cine en 2010.

Es sabida la reticencia de muchos escritores a que sus obras sean adaptadas al cine y, Murakami, no ha sido la excepción. En innumerables ocasiones se había negado a que así fuera. Tal vez ahora ha accedido por la confianza que debe trasmitirle que a la cabeza del proyecto esté un artista como Tran Anh Hung, conocido por su gran sensibilidad al contar historias en la gran pantalla. ¿Recuerdan aquella hermosa cinta titulada El olor de la papaya verde? Fue el tercer largo de este cineasta y, con su siguiente trabajo, Cyclo, ganó en 1995 el León de Oro en Venecia.

Hay lectores que suelen aguardar con gran expectativa las adaptaciones cinematográficas de aquellos libros que le han tocado en lo profundo. Hay también quienes, por el contrario, prefieren mantenerse al margen y quedarse con las imágenes que ellos mismos se construyeron durante la lectura. En mi caso particular me intriga la actriz (y su trabajo, desde luego) que seleccione Tran Anh Hung para interpretar a Midori, para mí, uno de los personajes más complejos y atractivos de la novela, incluso por encima de la depresiva Naoko. En cuanto a la atmósfera nostálgica y musical que recorre todo el libro (sobre todo con temas de jazz y en especial de The Beatles), creo que si Tran Anh Hung se mantiene fiel a su trabajo anterior, quizá consiga resultados aceptables para los seguidores de Tokio Blues, que, como se sabe, se cuentan por millones en el mundo.

El valor de ser y creer en uno mismo

2008-07-14T00:39:00.001+02:00

Hacía rato que una película no me ponía a reír hasta las lágrimas. Y para que la frase anterior no quede como una frase hueca, la contextualizo diciendo que el humor fácil, soso, vacío, no es precisamente el que suele hacerme reír. Todo lo contrario, este tipo de humor me desagrada en extremo. Es sin duda el humor mordaz, irónico, inteligente, el que se hila fino, que consigue pintarme una sonrisa o una carcajada en el rostro. Y de este último, la recién estrenada Kung Fu Panda, de los estudios DreamWorks, tiene secuencias a montón.

Desde mediados de los noventa, dos productoras cinematográficas vienen haciendo un trabajo extraordinario e innovador en el área de la animación y de películas para niños (aunque parezcan, no siempre son la misma cosa): Pixar Animation Studios y DreamWorks Animation. Desde entonces, ambas han logrado forjarse un nombre que ya es sinónimo de garantía para cinéfilos cuando de este tipo de películas se trata. Aunque a mi juicio, hasta el momento, Pixar ha demostrado ser mucho más certera que DreamWorks. Los lectores recordarán Toy Story (1 y 2), The bug’s life, Finding Nemo, The incredibles, en el caso de Pixar, y Shrek (y sus secuelas), Madagascar y ahora Kung Fu Panda en el caso de DreamWorks, para sólo nombrar las que yo he disfrutado y a las que considero indiscutibles joyas del cine. Casi siempre que me toca hablar de cómo debe contarse una historia es imposible no mencionar a una de ellas. Entonces mis interlocutores se me quedan mirando con cara de “¿qué le pasa a este sujeto? ¿Me está tomando el pelo?”. Y no, estoy hablando muy en serio, como lo hago ahora. Las películas que he enumerado son un alarde, una clase magistral de arquitectura dramatúrgica. En ellas los elementos del drama están estupendamente representados, con una claridad que, quienes nos dedicamos a este oficio, sólo nos queda aplaudir y tratar de imitar. Allí la presentación, detonante, conflicto, desarrollo y clímax están construidos y son mostrados con precisión de relojería suiza. Por supuesto, también los rasgos del personaje principal, protagonista, impacto, antagonistas y ayudantes quedan claramente definidos, con suficiente profundidad sicológica e historia; todo con una innovación y originalidad pese a que la anécdota que se cuenta se haya contado con anterioridad miles de veces.

Por ejemplo, en esencia, Kung Fu Panda no es más que la conocidísima historia del patito feo, aunque, mientras las imágenes se mueven veloces frente a nuestros ojos, esa idea ni siquiera se asoma a nuestra cabeza. Po, el panda protagonista, sueña en convertirse en un gran maestro del kung fu, sin embargo, nadie apostaría un duro por él porque es gordo, torpe y carece de entrenamiento en artes marciales. Encima, atiende las mesas en un puesto de comida de fideos que su padre heredó de su padre y a su vez éste heredó de su padre y que el primero pretende heredar a su hijo. En fin, nadie respeta al pobre Po. Ni siquiera su padre. No obstante, llega el día en que el azar lo pone frente a un gigantesco reto (aunque según el maestro Oogway, “los accidente no existen”): es elegido como el Guerrero Dragón, llamado a ser el más grande guerrero, el que tendrá el honor de leer el rollo sagrado que contiene todos los secretos del kung fu. Pero también tiene la obligación de defender al pueblo contra cualquier amenaza, y hay una en especial que viene en camino: Tai Lung, un poderoso guerrero que antes fue discípulo del maestro Shifu, que al no ser declarado como el Guerrero Dragón, intentó acabar con su maestro y el pueblo entero, pero que fue neutralizado por Oogway y confinado a prisión durante veinte años. Ahora Tai Lung ha escapado y quiere venganza. Además, los Cinco Furiosos (Tigresa, Mantis, Mono, Grulla y Serpiente, guerreros entrenados por Shifu con la meta puesta en ser algún día elegidos como el Guerrero Dragón) ven a Po como un simple advenedizo, puesto que lo consideran sin habilidades para ser un guerrero del kung fu. Y para complicarle aún más las cosas a Po, el maestro que debe entrenarlo lo odia puesto que tampoco ve méritos en él y sólo quiere verlo renunciar. Después de lo anterior: ¿no está, acaso, magistralmente armada la historia de Kung Fu Panda?

Lo único que ayudará a Po a cumplir su sueño de convertirse en maestro del kung fu es aceptarse a sí mismo, tal cual es, y, desde luego, creer en sus capacidades para lograrlo. No hay más secretos que éste.

Uno de los tantos aciertos de la película es la recreación de la atmósfera de sabiduría milenaria que rodea a la cultura china; los paisajes y personajes como el maestro Oogway contribuyen enormemente a este fin. Cada vez que habla Oogway, uno queda literalmente boquiabierto: “El ayer es historia, el mañana es un misterio, pero el hoy es un regalo. Por eso se llama presente”, dice en una de sus intervenciones. O esta otra: “A menudo encontramos nuestro destino en el camino que hemos tomado para tratar de evitarlo”. Por cierto, una de las grandes metáforas que deja colar la película.

Para quienes todavía no estén convencidos de que tenemos que aprender de los hacedores de historias de Pixar y DreamWorks, por favor, bríndenme el beneficio de la duda y vayan a ver Kung Fu Panda. Estoy seguro de que a la salida de la sala coincidirán conmigo y me lo agradecerán.

Tu Ternura Molotov abre Festival en Los Angeles

2008-07-10T18:04:00.000+02:00

Tu Ternura Molotov, obra del venezolano Gustavo Ott, abrirá el Rubicon International Theatre Festival en Los Angeles, evento que se desarrollará del 12 al 27 de Julio de 2008. El festival, bajo la curaduría de la actriz Linda Purl, abre con la producción de Teatro de las Americas de “Your Molotov Kisses” (Tu Ternura Molotov) de Gustavo Ott, dirigida por Lourdes Solarzano en el Bell Arts Factory. La ceremonia de apertura estará a cargo del actor Alfred Molina, que además se presentará en el Majestic Ventura Theatre con una obra de Stephen Bishop.

El festival californiano incluye estrenos como "Eye of the Cyclone", obra de Costa de Marfil escrita por Luis Marques y dirigida por Vagba Obou de Sales; también el estreno de “Conviction” de Oren Neeman, traducida por Mark Williams, protagonizada por el actor Americano-Israeli Ami Dayan. Además, podrá verse, entre otras, piezas como “Samuel Beckett's First Love” protagonizada por Conor Lovett , el “London cabaret” de Giselle Wolf y la producción francesa “Imagine-Toi” , obra ganadora del Premio Moliere protagonizada por Julien Cottereau.

El autor ha sido invitado a participar en el festival y dará cuatro conferencias sobre su obra, la poesía en escena y el teatro venezolano en Los Ángeles, Oxnard y Ventura, tanto el 12 y 13 como el 19 y 20 de Julio.

Tu Ternura Molotov, Premio Ricardo López Aranda de Dramaturgia (España, 2004) es la obra venezolana más producida en el extranjero en los últimos años, con montajes casi simultáneos en Argentina, España, Portugal, Suiza, México, Washington, Puerto Rico y Colombia. La pieza, desde su publicación en España en 2005, ha sido traducida a cinco idiomas y será estrenada en Caracas a finales del 2008, dirigida por su autor, en el Teatro San Martín de Caracas.

Más detalles en http://www.vcreporter.com/cms/story/detail/all_the_world_is_a_stage/6129/

Fuente: Teatro San Martín de Caracas

Roberto Azuaje obtiene premio CASA de dramaturgia venezolana

2008-07-01T03:32:00.000+02:00

La obra Siete grados de entropía tropical, de Roberto Azuaje, resultó ganadora unánime del Premio CASA de Dramaturgia Venezolana (Londres, Reino Unido), convocado el pasado mes de febrero por el Festival inglés y el Teatro San Martín de Caracas, con el objetivo de seleccionar la pieza que representará a Venezuela en el Festival de Londres.

El jurado del premio, presidido por el director británico Daniel Goldman, reunido en la capital inglesa, eligió como finalistas a Gregor McGregor, de Lupe Gehrenbeck, y a la obra El sitio, de José Antonio Barrios. Al certamen se presentaron 48 piezas teatrales. La obra ganadora será traducida y puesta en escena en Londres durante el próximo mes de septiembre.

Roberto Azuaje es uno de los nuevos autores de la actual impronta de la dramaturgia venezolana. En el 2004 fue su presentación literaria al ser galardonado en el Concurso de Dramaturgia de Fundarte con la obra José Amindra, y en el 2006 obtuvo el Tercer Premio del Concurso Nacional de Creación Contemporánea y Dramaturgia Innovadora del IAEM, por su obra El más mejor. Estas últimas dos obras también serán estrenadas próximamente por la agrupación Rajatabla, bajo la dirección de Dairo Piñeres, y por el Teatro San Martín de Caracas, bajo la dirección de Gonzalo Cubero, respectivamente.

Fuente: Ficción Breve Venezolana

El enfermo incurable

2008-06-27T19:08:00.001+02:00

“…pienso que este enfermo incurable al que llamamos teatro, sigue agonizando con buena salud”.

Carlos Giménez

¿Está en crisis el teatro?

Desde los tiempos de mis primeros coqueteos con el arte dramático, en la década de los ochenta, debo confesar que vengo escuchando diversas variantes de la misma pregunta. No obstante, más de veinte años después, como en el pasado, sigue habiendo gente dispuesta a dejarse el pellejo sobre las tablas... Y lo mejor de todo es que continúa demostrándolo con hechos.

En diciembre de 2005, durante mi visita a Torreperogil, una vez más asistí a una nueva puesta en escena del maravilloso e indescifrable pasaje bíblico de la “multiplicación de los peces y los panes”.

Acaso Villa de Torreperogil no alcance a llegar a los ocho mil habitantes, sin embargo, a lo largo de todo el año la actividad cultural allí es intensa. Desde recitales de jazz, rock, pop y música académica pasando por espectáculos de danza contemporánea, flamenco y el Festival Internacional del Títere, hasta el Festival de Cortos y, por supuesto, la Muestra Internacional de Teatro —que el año pasado alcanzó su edición número veinte. Al menos para que los amantes de la música (los hay en todas partes) se hagan una idea, por el festival de Rock & Blues han transitado bandas como The Animals, Whitesnake y, el pasado verano, desembarcó con su show en el auditorio de las Torres Oscuras la mítica agrupación británica Ten Years After.

Nada mal para un lugar aparentemente chico.

Llegado a este punto hay que decirlo de una buena vez: uno de los principales motores (aunque no el único) de la agenda cultural de la villa es Teatro Arena —compañía teatral creada en 1979 y asociación cultural a partir de 1998. La historia de Teatro Arena no debe de ser muy distinta a la de otros grupos o compañías teatrales de América Latina, o del resto de España, para suscribirnos sólo al continente hispano: duro comienzo, incomprensión, falta de apoyo oficial, múltiples problemas financieros, etcétera, etcétera, hasta que, poco a poco, a fuerza de insistir y de soñar (sobre todo de soñar) fueron imponiéndose, abriéndose espacios en el gusto y en la memoria de los espectadores. Al fin y al cabo, eso es lo que en su andar de más de un cuarto de siglo han ido demostrando.

“Hechos son amores y no buenas razones”, reza el viejo adagio popular. Y justamente de hechos continuaré hablando. En el marco de la Muestra Internacional de Teatro, entre otros eventos —un Ciclo de Cuentacuentos Infantil, un Ciclo de Teatro Distinto o monólogos de humor—, a manera de complemento, al clan Arena se le ocurrió convocar un certamen de textos teatrales. Este año el certamen arriba a su novena edición, y como en octubre se celebrará el 140 aniversario del nacimiento de Valle-Inclán, los organizadores han querido honrar al gran escritor gallego agregándole la palabra “esperpento” —con la cual se conoce la etapa en que Valle-Inclán se dedicara a escribir teatro— al nombre del concurso.

Las dos piezas aquí reunidas corresponden a las obras premiadas en la edición anterior, la octava, donde tuve el honor de formar parte del jurado.

El argumento de la obra ganadora, ¡Es la guerra!, de Fernando Almena, es simple pero muy atractivo. En plena guerra civil, tres soldados deciden acampar en el monte para almorzar y luego fusilar al prisionero que llevan casi a cuestas, un soldado del bando contrario. A lo largo de la comida van descubriendo que el enemigo tiene más cosas en común que diferencias, pero no hay perdón posible, porque ¿no están acaso en guerra? A través de un planteamiento estético sencillo, casi minimalista, un extraordinario manejo de las situaciones dramáticas, con diálogos hilarantes, elementos circunstanciales inteligentes y un sorpresivo final, Almena construye un discurso cargado de humor e ironía contra el negocio y la sinrazón de la guerra. La misma guerra que amenaza con instalarse en el mundo en una noche cualquiera y quedarse aquí para siempre.

Tras un presunto accidente automovilístico, donde una niña de seis años muere, cuatro adolescentes son detenidos de manera preventiva en la comisaría de un refugio turístico perdido en el tercer mundo —en caso contrario, los pobladores los habrían linchado. Los jóvenes deciden recurrir a la teoría del juego para no delatar al compañero que iba al volante en el momento del siniestro, y así ganar tiempo mientras el padre de uno de ellos viene en su auxilio. Esta es la historia que relata en El dilema del prisionero Ángel García Crespo; obra que se alzó con el accésit del certamen, una pieza inteligente, cargada de una atmósfera sórdida, en la que los roles de víctimas y victimarios parecieran cambiar a cada instante.

A esta altura creo que será necesario repetir la pregunta del comienzo: ¿Está en crisis el teatro?

El imaginario popular sostiene que de las crisis puede sacarse buenos dividendos. Sólo hay que tener los sentidos bien alertas y saber aprovechar las oportunidades. Ojalá que Teatro Arena continúe sacándole partido a “la crisis actual del teatro”. Ojalá que junto al ayuntamiento consiga por fin construir el espacio escénico que merece la villa y por el que luchan desde hace más de tres años. Ojalá que junto al ayuntamiento continúe manteniendo esta vitrina para los autores dramáticos de habla hispana. Ojalá que la Asociación de Autores de Teatro de España continúe contribuyendo a la difusión de este plausible esfuerzo. Sería un alivio constatar que, al menos en Torreperogil, el enfermo incurable sigue agonizando con buena salud.

Víctor Vegas
Caracas, septiembre de 2006

* Prólogo del libro del VIII Certamen de Textos Teatrales de Torreperogil, publicado por la Asociación de Autores de Teatro de España y el Ayuntamiento de Torreperogil en la colección Damos la Palabra/Teatro Español Contemporáneo, Madrid, 2006.

Nuestro problema de siempre

2008-06-23T18:06:00.000+02:00

Venezuela tiene muchos recursos, pero hasta ahora ese dinero no ha generado un impacto importante en la calidad de vida de la gente y en el desarrollo del país; y un elemento clave para entender esto es la debilidad institucional. En este país las instituciones no pueden [“no deberían”, en realidad] discriminar a los ciudadanos. Este gobierno llega al poder, precisamente, porque se oponía a este tipo de prácticas, pero resulta que ahora ocurren cosas peores, con la sistematización de la discriminación política a través de las listas.

Carlos Genatios

Ex Ministro de Ciencias y Tecnología (1999-2002)

Fuente: Diario El Nacional

Sobre la autenticidad de un escritor

2008-06-14T15:37:00.000+02:00

Los escritores que rehúyen sus propios demonios y se imponen ciertos temas, porque creen que aquéllos no son lo bastante originales o atractivos, y estos últimos sí, se equivocan garrafalmente. Un tema de por sí no es nunca ni bueno ni malo en literatura. Todos los temas pueden ser ambas cosas, y ello no depende del tema en sí, sino de aquello en que un tema se convierte cuando se materializa en una novela a través de una forma, es decir de una escritura y una estructura narrativas. Es la forma en que se encarna la que hace que una historia sea original o trivial, profunda o superficial, compleja o simple, la que da densidad, ambigüedad, verosimilitud a los personajes o los vuelve unas caricaturas sin vida, unos muñecos de titiritero.

Mario Vargas Llosa

Anoche, a la medianoche

2008-06-06T18:18:00.000+02:00

Hoy 6 de junio de 2008, si alguien o algo debería vestirse de luto, ese alguien o algo debería ser la palabra en español. Anoche, a la medianoche, murió uno de sus mayores amantes, un laborioso artesano que siempre se acercó a ella con respeto, admiración, cuidado y esmero. Hablo del poeta venezolano Eugenio Montejo. Siempre que alguien me pide nombrar a dos artesanos de la palabra en nuestro país, invariablemente, de mi boca salen dos nombres: Rafael Cadenas y Eugenio Montejo.

A continuación me he tomado la libertad de reproducir uno de los poemas de Montejo que encabeza mi lista de imprescindibles:

MANOA

No vi a Manoa, no hallé sus torres en el aire,
ningún indicio de sus piedras.

Seguí el cortejo de sombras ilusorias
que dibujan sus mapas.
Crucé el río de los tigres
y el hervor del silencio en los pantanos.
Nada vi parecido a Manoa
ni a su leyenda.

Anduve absorto detrás del arco iris
que se curva hacia el sur y no se alcanza.
Manoa no estaba allí, quedaba a leguas de esos mundos,
—siempre más lejos.

Ya fatigado de buscarla me detengo,
¿qué me importa el hallazgo de sus torres?
Manoa no fue cantada como Troya
ni cayó en sitio
ni grabó sus paredes con hexámetros.
Manoa no es un lugar
sino un sentimiento.

A veces en un rostro, un paisaje, una calle
su sol de pronto resplandece.
Toda mujer que amamos se vuelve Manoa
sin darnos cuenta.
Manoa es la otra luz del horizonte,
quien sueña puede divisarla, va en camino,
pero quien ama ya llegó, ya vive en ella.

Obama, EE.UU. y el resto del mundo

2008-06-05T05:18:00.000+02:00

En el día de ayer Barack Hussein Obama se proclamó candidato oficial del partido Demócrata para las próximas elecciones presidenciales de EE.UU. Rato después algunos medios especulaban con las siguientes cifras en cuanto a las intenciones de voto del pueblo norteamericano, de cara a las elecciones: 47% para Obama y 44% para McCain. Por lo visto, a ambos candidatos les espera un largo y tortuoso camino de aquí al 4 de noviembre. Y en mi opinión particular, por lo que ya hemos presenciado, el recorrido será más tortuoso y largo para Obama que para McCain.

Al día siguiente, hoy, Gustavo Ott —a mi juicio una de las mentes más brillantes del país—, conocedor de la sociedad estadounidense tanto como conoce a la venezolana, me envió un excelente artículo que leí, disfruté y quise reproducir aquí íntegramente (con el debido consentimiento de su autor, por supuesto) porque además de coincidir con muchas de sus reflexiones, creí de especial interés compartirlas con los visitantes de este blog.

Es algo largo, pero, créanme, vale la pena llegar hasta el punto final.

OBAMA Y ESA GENTE DE LAS CUATRO LETRAS

Por Gustavo Ott
http://www.gustavoott.com.ar/

Es un tópico decir que hay una historia norteamericana incontable, bochornosa y triste y que, por otro lado, hay también una historia de los Estados Unidos de Norteamérica profunda, noble, emancipadora, solidaria y compasiva. Y que en medio de las dos se disuelve el mundo. La historia noble, también como tópico, es una historia oculta, maltratada y despreciada, que, sin embargo, es capaz de inventar para salvar y que está preparada para utilizar el alma como herramienta del progreso. Quiero decir que hay una historia de los que se atreven a hacer, cuando desechan lo perverso, lo que nadie ha podido ni imaginado jamás. Una historia que mezcla la idea de la revolución con el cine, el jazz con la emancipación, la inmigración con llegar a la Luna, los derechos civiles con el baseball, Internet con la Libertad y la Libertad con un impulso todopoderoso y anhelado, Dios mismo. Desde Whitman a Williams, para algunos de estos ciudadanos de las cuatro letras “E.E.U.U.”, Dios, si existe, es la Libertad.

Digo que esta historia profunda norteamericana aparece y se cuenta tan poco que uno a veces la duda. Pero entonces, cuando más se le necesita, la vuelven a contar; desde los solares olvidados de Missisippi hasta el campesino triturado por el dinero en Iowa. Desde la pobreza multicolor de Nueva Orleáns post Katrina hasta el ghetto minoría expulsado de la historia de Chicago y Nueva York. Es la misma historia de los desamparados en casas rodantes de Florida, de los treinta millones de ciudadanos del país más rico del planeta que no tienen seguro, de los expulsados de sus casas por bancos atiborrados de hipotecas, de los restos de derrotados con su carrito de supermercado como vivienda, mesa, familia e ilusión. Y todo al lado de la riqueza y el poder más espectacular jamás vista.

Es la historia heroica censurada por la ferocidad, la competencia y la discriminación que se cuenta desesperada desde la abundancia y que hoy, 3 de junio del 2008, ha empezado a ser contada otra vez. Una historia que parece comenzar como todas: “había una vez un país poderoso roto por dentro”, pero que sigue con: “y entonces, cuando nadie lo esperaba, de ese país roto por dentro, apareció un senador de Illinois”.

La Europa del bienestar, aún con los avances sociales que los ciudadanos norteamericanos apenas pueden soñar, no tiene en su libro de Historia Contemporánea un relato tan impactante e inspirador como éste de un senador afroamericano que, con el menos popular de los nombres, Barack Hussein Obama, conquista a su pueblo. Que un Hijo de emigrantes, criado en la pobreza, a los 46 años llegue a ser candidato a la presidencia del país más poderosos del planeta y que, quizás, más que probablemente, gane, posee una connotación no sólo especial, sino cultural y hasta metafórica que inspira de una manera, como pocas veces vemos en la realidad y demasiadas en la ficción. Ya quisiera la Europa y la inteligencia política del Reino Unido, Alemania, Francia y muy especialmente España, con sus prejuicios e intolerancia, llegar a pensar si quiera en hacer propia una historia como ésta.

Obama parece darle una dosis de decencia y respeto a un país que poco o nada ha hecho en los últimos 10 años para merecerla. El General John Abizaid, Comandante en Jefe de las Fuerzas Armadas de Estados Unidos en el Golfo Pérsico en el 2006, definió no sólo a los EE.UU. de principios de siglo con palabras muy duras, sino que explicó con su frase esa decepción norteamericana que todos sentimos: “Nuestro fracaso en Iraq se debe a nuestra ignorancia, prepotencia, y sobre todo, a la más simple falta de respeto por los demás”, dijo. En los tiempos de la dignidad usurpada, el pueblo norteamericano tiene una oportunidad colosal —como las que acostumbra a tener— con este civil “orejón” (así se definió ayer él mismo), que no fue pastor de la Iglesia y, digo yo, ni falta que le hacía, con una voz antigua, apasionada y respetuosa, pero contundente, que de pronto me hace pensar que la Decencia no llega demasiado tarde.

En su discurso de hoy, exactamente al cumplir 200 años del fin de la venta de esclavos en América, Obama le ha dicho al mundo que es posible cambiar no sólo a su país y devolverle la sensibilidad y el respeto por los demás, sino que también es posible cambiar al mundo. Nada menos. Y a pesar de la hipérbole, sucede que tiene razón.

Porque llegan sus palabras precisamente cuando este planeta está lanzando serias advertencias sobre su destino, en especial, sobre la posibilidad de que el futuro no sea probable, ni siquiera posible, y sobre la necesidad que tiene la raza humana de pensar si su colosal historia sobre esta roca, tercera desde el sol, tiene la capacidad para enmendar recientes errores letales cometidos. Y es que se trata de un planeta que sin lo mejor de los EE.UU., se nos deshace en las manos a todos.

Por eso, lo que sucede allá y lo que dice este hijo de madre soltera, alimentado con las migajas del sistema, tiene que ver conmigo y contigo. Desde el cambio climático, hasta la inmigración, la hambruna, el secuestro de la libertad, el fin de la Democracia, es decir, esto que somos nosotros y que, por comodidad llamamos especia humana, no tiene mucha historia por venir sin los Estados Unidos. Y si con Gore se perdió la ocasión de prevenir el colapso del mundo, con Obama se gana quizás la última oportunidad de salvarlo y además, comenzar un mundo nuevo.

Hoy, 3 de junio, oír a Obama no era únicamente recordar a King, sino más bien conocer una voz nueva, única, capaz de decirle a su gente que ya es hora de hacer otra historia, que esta noche de junio del 2008 comienza “una historia que nos permitirá, en los años venideros, decirle a nuestros hijos que finalmente nos dimos cuenta que no éramos tan fuertes ni tan potencia si no podíamos curar al enfermo, sin proveer de Seguridad Social a los desvalidos, sin acabar con la guerra, sin darle trabajo al desempleado, sin permitirle a los jóvenes el acceso a la esperanza. Eso es: quizás los EE.UU. son la última esperanza del mundo. Pero también es la mejor esperanza que el mundo tiene”, sentenció.

El pasado, como se sabe, es retórica, más bien gramática. Y el futuro, es conocido, suele perder frente al pasado y reproducirlo sin pudor. Muchos creen que el pasado, con su fuerza y reacción, se impondrá y, como es su deber, acabará con la esperanza. Pero también hay momentos en que el futuro se hace de una pasión nueva, creativa, la misma pasión del arte que aparece y que no existía antes, y así es capaz de hacer regresar al pasado a su prisión literaria. Esa pasión, que rebelde grita que sí hay algo nuevo bajo el sol, me parece, es la que despierta Obama. Y qué privilegio el nuestro de poder ser testigos de esta singular épica de un senador negro de Illinois que, desde la pobreza y la exclusión, tiene la rara oportunidad de salvar al mundo con una historia norteamericana profunda que provoca contar. Y adueñarse de ella.

Una parte de mi obra reunida en la web

2008-06-02T16:41:00.000+02:00

Durante los últimos cinco meses he venido trabajando con la gente de Moebius Digital en el diseño y desarrollo de mi página web. Ha sido un proceso interesante y a la vez estimulante, que por momentos me hacía retornar a mi época de informático. A partir de hoy por fin una primera versión se encuentra on-line, a disposición de los internautas. En ella, adicional a la información básica sobre mi trayectoria, el visitante podrá acceder a parte de mi obra dramatúrgica. Sin costo alguno podrá descargar las piezas de teatro para leerlas de manera particular, pero respetando todo lo relacionado a derechos de autor en caso de que su interés sea el de hacerlas públicas, como se especifica con claridad en la respectiva sección de la página. Además, los visitantes encontrarán información de los libros que he publicado hasta la fecha, reseñas, entrevistas, noticias y, desde luego, links a algunos textos narrativos que se encontraban dispersos en la web, colgados en revistas literarias como The Barcelona Review, Letralia, Ficción Breve Venezolana y Margen Cero, entre otras. A quienes tienen la costumbre de pasearse por acá los invito entonces a visitar, como suele decirse, mi página oficial: http://www.victorvegas.com/.

La tecnología al servicio del arte

2008-05-30T14:44:00.001+02:00

En uno de los cursos durante mis estudios universitarios de pregradado —corrían los días inciertos de la segunda mitad de la década de los ochenta, del siglo pasado—, había un profesor que, en sus clases, casi siempre traía a cuento el tema del inminente fin del arte y, con ella, desde luego, de los artistas, como consecuencia de los gigantescos avances tecnológicos que se estaban gestando por entonces en el área de la informática. Según él, gracias a la computadora personal o PC, en el futuro mediato el arte estaría al alcance de todos y sería un producto de exclusivo origen digital y no la materialización en belleza de las pulsiones humanas.

Veinte años después, el anunciado Apocalipsis de las artes (y de los artistas), como lo pronosticaba mi profesor de pregrado, todavía no asoma la nariz en el horizonte. Al menos no a mi modo de ver, por supuesto. En cambio la tecnología se ha convertido en una herramienta fundamental a la que los creadores de todas las tendencias y disciplinas del arte han echado mano para hacer más fácil su labor; incluso, en algunos casos, ha contribuido a aumentar su productividad puesto que, gracias a la tecnología, han podido deshacerse de tareas rutinarias que antes les significaban un lastre. ¿Quién puede imaginarse en nuestros tiempos a un escritor que no utilice las ventajas de un buen procesador de palabras? Sin duda los que tal vez aún existan, en algún apartado rincón del planeta, no lo harán por gusto propio si no por limitaciones de otra índole. Mis primeras obras, por ejemplo, las escribía a lápiz y cuando se me presentaba la ocasión de que un amigo me prestara su máquina de escribir, aprovechaba para pasarlas en limpio. Entonces, como solía decir Bolaño, era más pobre que una rata. Sin embargo, aquella impoluta versión de mi manuscrito duraba poco, demasiado poco, la verdad, porque enseguida comenzaba a tachar y hacer correcciones sobre ella hasta que la dejaba mucho peor a la que la había precedido, la versión escrita a mano. Ahora me aterra siquiera pensar en la posibilidad de transitar de nuevo por aquella etapa.

Bien, llegados a este punto: ¿Qué diría un guionista de cine o TV si le dijera que, gracias a la tecnología, pronto podrá contar con un software que lo ayudará profusamente en su oficio de crear historias?

Se trata nada más y nada menos que del proyecto Escriba, en el que desde hace aproximadamente un par de años viene trabajando Frank Baiz. Aunque esta fecha no es más que un decir, puesto que detrás de Escriba hay no menos de 20 años de experiencia, los mismos que le han servido a Frank para desarrollar y pulir su particular y efectivo modelo para la escritura de guiones. Pero voy a dejar que sea el propio Frank, con sus propias palabras, que explique de qué va Escriba:

El proyecto Escriba se basa en un modelo que he venido desarrollando y que busca sistematizar ciertos elementos básicos de la dramaturgia del guión. En particular, el modelo se ocupa de articular la historia entendida como sucesión de acciones orientadas hacia un fin (base de muchos modelos conocidos, desde el paradigma de Syd Field hasta el utilísimo viaje del héroe), y la historia entendida como itinerario de "transformación" de un personaje, lo que comúnmente se llama "arco del personaje", es decir, de articular "el viaje interno" con "el viaje externo", y esto con la finalidad de que el escritor ejerza cabalmente su creatividad en el terreno de la invención y no se vea entorpecido por el problema de la estructuración. El modelo busca asegurar la mencionada articulación en varios niveles, desde la estructura base, hasta la escena. Por ahí va lo teórico. En lo que se refiere al aspecto práctico, Escriba ofrecerá al escritor tanto el apoyo del formato, como de la organización y el acceso cómodo e inmediato de todo el material que se necesita a la hora de escribir el guión, característica que lo hará útil para cualquier escritor —incluyendo a aquellos que pudieran interpretar el modelo como algo que "restringe su creatividad" (temor que desaparece cuando se discierne cuáles son los niveles en los que trabaja un modelo sobre cualquier discurso)—, como también varios "asistentes" que, con base a preguntas y respuestas, permiten ir construyendo la estructura que sustenta la sinopsis, la escaleta y la dinámica de los personajes dentro de cada escena. El software se programa en .NET, por lo que es factible que además de correr en Windows, pueda ser soportado por otros sistemas operativos.

He tenido la oportunidad de ver en funcionamiento, un par de veces, el software de Frank y no exagero al decir que en ambas oportunidades he quedado gratamente sorprendido. Lo que destacaría de estas dos primerísimas versiones in progress (puesto que el software, a pesar de estar muy adelantado, todavía no cuenta con una versión beta) es la sencillez y el grado de interactividad que ofrece al usuario. Desde luego hay que aclarar que, como otros software de este tipo, Escriba se basa en un modelo teórico que hay que entender para estar en capacidad de sacarle el mayor provecho posible. No basta con tener claras las ideas del guión que se desea escribir antes de sentarnos frente a la pantalla de nuestro computador, con la aplicación cargada y esperando a que comencemos a utilizarla, sino que previamente es necesario haberse empapado de su “lenguaje” para poder interactuar de manera efectiva con ella. Pero como dice Frank, su modelo es de fácil asimilación y se basa en el muy popular “viaje del héroe”, conocido, supongo yo, por todos aquellos que aspiran a convertirse en contadores de historias. Por fortuna, y de nuevo recurro a palabras del propio Frank, “el software vendrá acompañado de una generosa documentación en la que reside el conocimiento teórico previo que se necesitará para manejarlo, traducido al lenguaje más sencillo posible”. No podía ser de otro modo.

Los interesados en el software pueden desde ya acceder al enlace Escriba Software y apuntarse en una lista que promete una oferta de lanzamiento (aún cuando la página está en construcción, cuenta con la útil sección de preguntas más frecuentes) o visitar el blog de La página del guión, donde Frank suele publicar avances relacionados con su proyecto. A partir de ahora también yo, desde mi blog, adelantaré una que otra información relacionada con Escriba. Sobre todo cuando tenga instalado en mi notebook la tan esperada versión beta del software. Así que pendientes...

Mensajes en la pared en Booksur.com

2008-05-26T18:49:00.000+02:00

En varias ocasiones visitantes de este blog, que residen fuera de Venezuela, me han escrito a mi cuenta de correo electrónico solicitándome información sobre dónde podían adquirir mi libro de relatos Mensajes en la pared. Naturalmente mi respuesta era que sólo estaba a la venta en Venezuela. Sin embargo, desde hace algunos meses, Mensajes en la pared también puede adquirirse a través de la página web de Booksur.com.

Booksur.com es una filial de Libros Andinos, con cede en la ciudad de Miami, especializada en la distribución de libros de la región: “ofrecemos cerca de 100,000 títulos de libros producidos en la región andina: Bolivia, Chile, Colombia, Ecuador, Perú y Venezuela. Nos establecimos en 1970 y nos convertimos en una librería especializada en temas andinos”, es la oferta que puede leerse en su página web.

De modo que aquellos interesados en leer Mensajes en la pared, que viven fuera de Venezuela, ahora pueden adquirirlo a través de Booksur.com siguiendo con atención los pasos que allí se indican. Recomiendo, antes que nada, leer con cuidado la sección de preguntas frecuentes para evitar confusiones.

Laberinto interior

2008-05-24T14:22:00.000+02:00

Según los conocimientos actuales, los primeros que imaginaron el concepto del laberinto fueron los antiguos mesopotámicos. Estos le arrancaban las tripas a los animales, o, a veces, los intestinos a los seres humanos, y, según la forma que tuvieran, predecían el futuro. Sentían admiración por lo complejo que eran. Así que la forma del laberinto remite a las entrañas. Es decir, que el principio de laberinto reside en tu propio interior. Y éste se corresponde con el laberinto exterior.

Haruki Murakami

El oído de Flaubert y el subconsciente

2008-05-15T17:06:00.000+02:00

Cuentan que Flaubert solía hacer las correcciones de estilo a sus textos al aire libre, en una pequeña alameda de tilos cercana a su casa de Croisset. Allí, mientras recorría la alameda, se entregaba a la lectura de sus escritos en voz alta, dejando la responsabilidad mayor del trabajo a su oído. Así lo relata Mario Vargas Llosa en el libro Cartas a un joven novelista:

No sé si usted sabe que Flaubert tenía, respecto del estilo, una teoría: la del mot juste. La palabra justa era aquella —única— que podía expresar cabalmente la idea. La obligación del escritor era encontrarla. ¿Cómo sabía cuándo la había encontrado? Se lo decía el oído: la palabra era justa cuando sonaba bien. Aquel ajuste perfecto entre forma y fondo —entre palabra e idea— se traducía en armonía musical. Por eso, Flaubert sometía todas sus frases a la prueba de “la gueulade” (de la chillería o vocerío). Salía a leer en voz alta lo que había escrito, en una pequeña alameda de tilos que todavía existe en lo que fue su casita de Croisset: la allée des gueulades (la alameda del vocerío). Allí leía a voz en cuello lo que había escrito y el oído le decía si había acertado o debía seguir buscando los vocablos y frases hasta alcanzar aquella perfección artística que persiguió con tenacidad fanática hasta que la alcanzó.

En la enésima relectura que hago del libro de Vargas Llosa, caigo en cuenta de que un texto que escribí hacia finales de 2002, y que colgué aquí en junio del año pasado, está sin duda inspirado o influenciado por la anécdota del oído de Flaubert. A veces pensamos que hemos dado con una idea original y en el fondo no es más que un enfoque de la idea de otro, que leímos y creímos olvidada, sin embargo, esa idea se mantuvo, permaneció agazapa en nuestro subconsciente para brotar tiempo después como si fuera realmente nuestra. ¿A esto se refería Borges al afirmar que toda creación era de una u otra forma un plagio?

Los curiosos pueden leer el texto del que hablo haciendo clic aquí.

La literatura como pararrayos

2008-05-01T16:18:00.000+02:00

Poco a poco uno va llenándose de libros. Por aquí y por allá se van acumulando las pilas puesto que en los anaqueles de la biblioteca ya no queda lugar disponible. Todavía así nunca parecen suficientes.

Libros de viejos y queridos autores que hemos convertido en nuestros libros de cabecera. Otros de autores recientes y por descubrir. Algunos leídos en la adolescencia, que nos negamos a releer, porque tememos no reencontrar en ellos la magia que en su momento nos trastocó.

Y es que los libros, como los seres vivos, también cambian con el paso del tiempo, se van haciendo viejos (y aquí no me refiero, desde luego, a su aspecto puramente físico, sino a algo más recóndito), unos con mayor rapidez que otros.

Incluso hay libros que pese a haberlos adquirido años atrás, aún conservan, intacta, la envoltura original, virgen, sin una sola rasgadura. Libros que quizá nunca llegaremos a leer.

En mis años de informático, cuando el dinero no era un problema serio —no como ahora, quiero decir, porque el dinero fue, es y será siempre un problema serio en nuestras sociedades— acostumbraba a comprar libros aún a sabiendas de que no podría leerlos. Al menos no de inmediato. En aquel tiempo mi promedio de lectura era realmente patético, lastimoso. Tan sólo dos o tres libros al año. No más. Aún así era difícil resistirme a la tentación de entrar en una librería y salir, rato después, cargado de libros. Y si esa librería echaba sus anclas en ciudades como Buenos Aires, Ciudad de México o Bogotá, la experiencia se tornaba todavía más intensa y desestabilizadora. Ahora estoy seguro de que en aquellos años, sin saberlo, me aboqué a la tarea de construir una especie de fondo de libros para esta otra etapa que vivo en la actualidad, en la que, por muchas razones, comprar un libro ya no es lo mismo que antes.

Precisamente de aquellos años data el libro —releído una y otra vez en no pocas ocasiones— del que quiero hablar en este post. Y probablemente en los siguientes. Se trata de un libro ideal para quienes nos iniciamos en el arte de contar historias, escrito por un consagrado e inigualable contador de historias: Mario Vargas Llosa. ¿Su título? Cartas a un joven novelista (Editorial Planeta, 1997).

Vargas Llosa estructura su libro como epístolas dirigidas a un interlocutor, aspirante a novelista, con el que mantiene una íntima, sincera, didáctica y muy extensa correspondencia. A veces, mientras avanzamos en la lectura, nos sentimos como fisgones que hemos violentado un espacio creado exclusivamente para dos. Y otras, incluso, como los destinatarios del texto que leemos. Pero no es en la forma, sino en el contenido, donde se halla lo sustancial de Cartas a un joven novelista. Vargas Llosa, de una manera sencilla, amena y en extremo inteligente, dicta cátedra, una clase magistral en el arte de contar historias. Allí reflexiona sobre las motivaciones, la vocación, las perspectivas, la disciplina y perseverancia de alguien que ha decido elegir el oficio de escribir. Pese a estar enfocado hacia el género de la novela, creo que funciona con igual validez para el resto de los géneros literarios (sobre todo los narrativos, como el relato y la crónica) que tienen como meta principal precisamente ésa, la de contar historias. “La predisposición a fantasear nada más que como umbral del verdadero ejercicio de la literatura; la indisoluble relación fondo-forma, el estilo, la técnica narrativa, la voz propia, el tiempo, el poder persuasivo de una historia, la organización del relato, la ambigüedad, los datos escondidos, las ‘mudas’ de una historia”, son, entre otros, algunos de los tópicos que, con la precisión de un neurocirujano, el autor aborda en Cartas a un joven novelista. Sin duda, un libro de obligada y reiterada relectura para cualquier novel escritor.

En lo sucesivo, iré posteando aquí algunas de las notas que he tomado durante mis relecturas del libro de Vargas Llosa; en su mayoría citas o fragmentos que he considerado relevantes para acercarles la lupa.

Con la intención de que sirva de abreboca a curiosos o interesados en el tema, aquí va el primer fragmento:

Tal vez el atributo principal de la vocación literaria sea que quien la tiene vive el ejercicio de esa vocación como su mejor recompensa, más, mucho más, que todas las que pudiera alcanzar como consecuencia de sus frutos. Ésa es una de las seguridades que tengo, entre muchas incertidumbres sobre la vocación literaria: el escritor siente íntimamente que escribir es lo mejor que le ha pasado y puede pasarle, pues escribir significa para él la mejor manera posible de vivir, con prescindencia de las consecuencias sociales, políticas o económicas que puede lograr mediante lo que escribe.

¿Acaso hubiera podido elegir un mejor fragmento para dar inicio a esta especie de vía crucis literario?

Puede que sí, pero he comenzado por éste porque sin duda me toca en lo inmediato.

Gente sin imaginación

2008-04-24T15:05:00.000+02:00

Sólo que ya estoy más que harto de la gente sin imaginación. De ese tipo de gente que T.S. Eliot llama “hombres huecos”. Personas que suplen su falta de imaginación, esa parte vacía, con filfa insensible y que van por el mundo sin percatarse de ello. Personas que intentan imponer a la fuerza a los demás esa insensibilidad soltando, una tras otra, palabras huecas.

Haruki Murakami

Quince que cuentan

2008-04-21T14:44:00.000+02:00

Desde hace poco más de tres años (seguramente más) Ana Teresa Torres y Héctor Torres vienen haciendo un trabajo de hormiguita, como se le suele decir a esas arduas tareas que nos imponen a veces ciertas actividades u oficios.

Su meta era la de crear un espacio donde las nuevas generaciones de narradores venezolanos pudieran mostrar sus trabajos al público e interactuar con él. Gracias a esa iniciativa de los Torres (y aquí abro un paréntesis para subrayar lo que Héctor siempre aclara: “no somos familia”; consanguínea, se entiende), apoyada por el Pen de Venezuela y el Centro Cultural Chacao, nació el evento Semana de la Nueva Narrativa Urbana, que este año alcanza su tercera edición.

Noche tras noche, a lo largo de una semana, quince voces de la nueva narrativa local (tres cada noche) pueden ser escuchadas y leídas por el público asistente. A ellos se unen cinco reconocidas voces (una por noche), también de la narrativa local, que los presentan y comentan sus relatos.

Quienes hayan tenido la ocasión de asistir a las dos ediciones anteriores, habrán podido comprobar que se trata de un evento donde la sencillez y el profesionalismo se dan la mano. Tal vez por esta razón la gente respondió con generosidad y asistió concurridamente durante los diez días de aquellas dos ediciones de 2006 y 2007. Ya lo dijo Chejov, “La sencillez es una gran virtud”.

A lo largo de esta semana que ha empezado a correr, en el Centro Cultural Chacao, en El Rosal, de nuevo se reunirán los noveles narradores locales y aquellos que les encanta que le caigan a cuento. Y para el cierre del día viernes, se tiene planeado presentar el libro Quince que cuentan, publicado por la Editorial Fundación para la Cultura Urbana, con palabras de Carlos Pacheco, donde se recoge los quince textos de los autores de la segunda edición —en la que tuve la oportunidad de leer uno de mis relatos.

Ojalá que los noveles narradores locales puedan seguir contando con este valioso espacio creado por los generosos y laboriosos Torres (¿se han puesto a pensar todos los hilos que ambos tienen que mover para que cada año se realice el evento en un país como el nuestro? ¿Con libro incluido?) y que el público en general continúe apoyando la iniciativa con su asistencia, porque para contar es necesario que alguien escuche o lea. Sin duda.

Continúa éxito de Cuando seamos grandes

2008-04-17T17:12:00.000+02:00

“Aunque niños se nos permita ser
tan sólo una vez en la vida
el sueño vivirá en nosotros
como el grano de pan en la espiga”

Cuando seamos grandes
de Víctor Vegas

Del 29 de marzo al 4 de mayo

Con las actuaciones de Paola Baroferre, Oriana Nigro, Zammy Giménez, José Alberto Blanco, Kaoru Yonekura y la participación especial de la niña Verónica León.

Produce Teatro San Martín de Caracas/TextoTeatro
Dirección de Jennifer Morales

Sábados y domingos, 3:00 pm

Sala Principal del Teatro San Martín de Caracas.
Av. San Martín c/Pte. 9 de Diciembre, estación metro Artigas.
Telf. (212) 4512161/3772526

Estacionamiento privado al lado del teatro.

Permitamos que nos caigan a cuentos otra vez

2008-04-14T18:33:00.000+02:00

La semana próxima, del lunes 21 al viernes 25 de abril, vuelve la Semana de la Nueva Narrativa Urbana, evento que tiene como finalidad la difusión y promoción de perfiles emergentes en el contexto de la narrativa venezolana, organizado por el Pen de Venezuela y el Centro Cultural Chacao, bajo la coordinación de Ana Teresa Torres y Héctor Torres.

En su tercera edición, contará con la participación de los siguientes escritores que leerán sus textos al público asistente: lunes 21, Luis Alejandro Ordoñez, Dayana Fraile y Gabriel Torrelles; martes 22, Rafael Ortega, José Urriola y Jorge De Abreu; miércoles 23, Jorge Gustavo Portella, Ricardo Román Marcano y Olga Colmenares; jueves 24, Carlos Russo, Luis Enrique Belmonte y Keila Vall de la Ville; viernes 25, Gabriel Payares, Javier Dominguez y Rafael Osío Cabrices.

Cada noche, los tres lectores de turno, serán presentados y sus textos comentados por los reconocidos escritores Ednodio Quintero, Carlos Noguera, Alberto Barrera Tyszka, Milagros Socorro y José Luis Palacios, respectivamente.

El vienes 25, día de cierre, según esta nota, será presentado el libro con los relatos de los autores que participaron en la edición pasada.

Los encuentros de la III Semana de la Nueva Narrativa Urbana se realizarán en el auditorio principal del Centro Cultural Chacao, en El Rosal, a partir de las 7:00 pm.